с чего начинается живопись

С чего начинается живопись

С ЧЕГО НАЧИНАЕТСЯ ЖИВОПИСЬ.

Искусство живописи имеет одну цель — восхищение красотой.

Обучение живописи начинает­ся с воспитания умения ви­деть. Но разве не все люди видят одинаково? Естественно, люди, лишенные дефектов зрения, в физическом смысле видят одина­ково. Однако можно смотреть и не видеть.

Н. П. Крымов рассказывает, как М. А. Врубель возвращался с прогулки в Абрамцеве. Насту­пали сумерки, всходила луна. И набрел он на старый замшелый березовый пень. Спутники Врубе­ля прошли мимо, а он на другой же день начал и закончил в ско­ром времени своего знаменитого «Пана».

— Ага,— вспомнит кто-ни­будь,— и экскурсовод в музее рассказывал, как Суриков чер­ную ворону на снегу увидел и на­писал «Боярыню Морозову».

И. А. Бунину приписывают слова о том, что писатель остает­ся таковым до тех пор, пока не перестает удивляться. Так ведь и художник тоже. А в случае с кар­тиной Левитана «У омута» — и зритель тоже.

«Написать картину нельзя и не нужно, должно поймать ее кра­соту»,— говорил Врубель.

Видеть в обыкновенном не­обыкновенное, в частном — об­щее, в обыденном — сокровен­ное; видеть то, чего иной не заме­тит, даже не заподозрит,— вот в чем смысл художественного ви­дения.

Зрение художника обретается на занятиях и на выставках, в поездках на этюды и в походах, при чтении стихов, описании ис­торических событий и географи­ческих путешествий, повсюду.

Жизнь начинающего художни­ка настолько богата впечатле­ниями, что его индивидуальность как бы тонет в жадном интересе ко всему виденному. Отбирать свое, сокровенное научишься не сразу. Здесь-то и важны совет и внимание учителя. Он должен угадать направление, в котором толкает ученика «натиск востор­га».

Однако, чтобы справить­ся с этим «простым делом», нуж­ны опыт и знания. Обратимся к простейшим положениям науки о цвете.

Интересно, однако, что подлин­ного предметного цвета мы чаще всего не видим. На него сущест­венно влияет целый ряд факто­ров.

Валер

Валер — по-француз­ски «ценность», «качество», «до­стоинство». В живописи под сло­вом «валер» понимают количе­ство света в цвете. Ведь луч света может падать на предмет перпен­дикулярно, «в лоб», может па­дать под углом, а может и совсем не падать (тень). Валер — это светлотные градации ; точнее, это оттенки локального цвета, об разуемые количеством света в нем.

Окрашенность светового луча

Вспомните картину Левитана «Летний вечер». Зеленый лес, освещенный лучами заката, ста­новится бронзовым. Предметный цвет изменяется в зависимости от окраски источника света (дневной свет, искусственное ос­вещение, свет луны).

Рефлекс

Это свет, который не идет непосредственно от источни­ка света, а отражается рядом ле­жащим предметом (местный реф­лекс) или окружающей средой (полутон). В картине Левитана «Март» тени на белом снегу густо-синие. Это и есть полутон: освещенное ярким весенним солнцем голубое небо рефлексует на эти тени.

Контраст светлотный и цвето­вой

Цветовое пятно никогда не воспринимается нами изолиро­ванно. Оно всегда связано с окру­жением. Например, серый квад­ратик бумаги на черном фоне ка­жется гораздо светлее, чем на белом. Темное пятно рядом со светлым представляется еще бо­лее темным, и, наоборот, светлое от соседства с темным как бы светлеет. Если расположить ря­дом две краски, которые нахо­дятся на «цветовом круге» друг против друга (так называемые дополнительные), то их цвето­вая насыщенность представится более интенсивной. Например, красный квадрат на зеленом фо­не покажется нам гораздо насы­щеннее того, что лежит на оран­жевом.

Итак, под влиянием различ­ных факторов цвет предмета мо­жет сильно меняться.

Источник

Статья на тему: «С чего начинается живопись?»

С чего начинается живопись?

Искусство живописи имеет одну
цель – восхищение красотой.
Константин Коровин

Обучение живописи начинается с воспитания умения видеть. Но разве не все люди видят одинаково? Естественно, люди, лишенные дефектов зрения, в физическом смысле видят одинаково. Однако можно смотреть и не видеть.

И. Левитан. «Март». Масло. 1895.

Н. П. Крымов рассказывает, как М. А. Врубель возвращался с прогулки в Абрамцеве. Наступали сумерки, всходила луна. И набрел он на старый замшелый березовый пень. Спутники Врубеля прошли мимо, а он на другой же день начал и закончил в скором времени своего знаменитого «Пана».

– Ага, – вспомнит кто-нибудь, – и экскурсовод в музее рассказывал, как Суриков черную ворону на снегу увидел и написал «Боярыню Морозову».

Была и ворона на снегу. Было и пасмурное лето на подмосковной даче – Суриков задумал тогда «Меншикова в Березове». Но увиденное не всегда служит толчком к образу.

М. Врубель. «Пан». Масло. 1899.

Вот «Последний кабак у заставы» В. Г. Перова. Ничего необыкновенного здесь художник не придумал. Все взял прямо из жизни. А сколько вложил подтекста! Нарисован кабак, а видишь трагический портрет всей пореформенной России. Или его «Учитель рисования». Сколько острой боли за человека, который долгие годы учился любимому делу, может быть, мечтал стать равным Брюллову или Иванову. Что помешало ему? Таланта ли не хватило, жизнь ли так сложилась, а только все закончилось крахом. В картинах Перова заметен, конечно, сильный повествовательный элемент. Но вот как «рассказать» картину И. И. Левитана «У омута»? Такие картины надо уметь видеть. Не каждому дано понять всю глубину их содержания.

И. А. Бунину приписывают слова о том, что писатель остается таковым до тех пор, пока не перестает удивляться. Так ведь и художник тоже. А в случае с картиной Левитана «У омута» – и зритель тоже.

Э. Дега. «Певица в зеленом». Пастель. 1884.

«Написать картину нельзя и не нужно, должно поймать ее красоту», – говорил Врубель.

Видеть в обыкновенном необыкновенное, в частном – общее, в обыденном – сокровенное, видеть то, чего иной не заметит, даже не заподозрит, – вот в чем смысл художественного видения.

К. Брюллов. «Гулянье в Альбано». Акварель, лак, карандаш. 1833.

Зрение художника обретается на занятиях и на выставках, в поездках на этюды и в походах, при чтении стихов, описании исторических событий и географических путешествий, повсюду.

Жизнь начинающего художника настолько богата впечатлениями, что его индивидуальность как бы тонет в жадном интересе ко всему виденному. Отбирать свое, сокровенное научишься не сразу. Здесь-то и важны совет и внимание учителя. Он должен угадать направление, в котором толкает ученика «натиск восторга».

Однако восторг необходимо разделить со зрителем. Ни один художник не мог еще и не сможет творить только для себя. Недаром сказал В. Г. Белинский, что искусство есть мышление в образах. Всякая мысль ищет быть высказанной кому-то, чувство ищет сопереживания. Как же найти художнику общий язык со зрителем? Единственный путь – мастерство. Добиться же последнего нельзя без постижения элементарных законов жизни.

В. Бялыницкий-Бируля. «Задумчивые дни осени». Масло. 1942.

«Живопись, – говорил выдающийся педагог и незаурядный художник П. П. Чистяков, – дело простое. Надо найти должный цвет и положить его на должное место». Однако, чтобы справиться с этим «простым делом», нужны опыт и знания. Обратимся к простейшим положениям науки о цвете.

Мы видим красоту окружающего нас мира потому, что все, что его составляет, различно окрашено. Зависит эта окраска от освещения. Мы знаем, что если на пути солнечного луча поставить стеклянную призму, то этот луч, преломившись в призме, дает на экране разноцветно окрашенную полосу – спектр. Когда солнечный луч проходит сквозь бесчисленные капли влаги, насыщающей воздух после дождя, в небе появляется радуга. Различают восемь цветов, составляющих спектр: пурпурный, красный, оранжевый, желтый, зеленый, голубой, синий и фиолетовый. Поверхность каждого предмета поглощает одну часть спектра и отражает другую. Зависит это от молекулярного строения поверхности предмета. Если почти весь спектр отражается поверхностью предмета, мы воспринимаем его цвет как белый. Если же весь спектр поглощается поверхностью, мы воспринимаем такой цвет как черный (или серый).

В. Перов. «Последний кабак у заставы». Масло. 1868.

Цветок красного мака поглощает почти весь спектр, кроме красного. Лимон отражает желтые лучи с небольшой примесью зеленых, апельсин – оранжевые. Такой цвет называется локальным, точнее сказать, предметным.

Интересно, однако, что подлинного предметного цвета мы чаще всего не видим. На него существенно влияет целый ряд факторов.

П. Кончаловский. «Натюрморт с зеленой рюмкой». Масло. 1933.

К. Коровин. «Гаммерфест. Северное сияние». Масло. 1895.

Итак, под влиянием различных факторов цвет предмета может сильно меняться.

Источник

ИСТОРИЯ ЖИВОПИСИ

* Живопись эпохи позднего палеолита (40-6 тыс. лет до н.э.).
Зарождение живописи в виде наскальных изображений (Южная Франция, Северная Испания и др.). Первобытные люди выполняли изображения на поверхности скалы земляными красками, сажей и углём от сожжённого дерева.

В качестве инструмента использовались пальцы и ладони художника, расщеплённые веточки и куски меха и кожи. Изображения носят как силуэтный характер, так и линейное начало. Эта первая живопись характерна лёгкостью проработки объёмов и отсутствием общего смыслового и схематического единства.

* Живопись эпохи неолита.
В живописи отражается образ человека. Изображённые сюжеты и сцены, а также отдельные персонажи образуют живописные циклы, рассказывающие последовательную историю в картинках.

* Живопись Древней Греции (Античность).

Живопись также монументальна. Она служит украшением и дополнением архитектуры, культовой, жилой, гражданской. Греческие художники, в своих попытках изобразить реальную действительность, разрабатывают и используют в росписях стен приёмы свето-тени и псевдоперспективы (линейной и воздушной), т.н. “рыбья кость”. Сюжеты античной живописи весьма разнообразны, что положило начало основным жанрам: пейзаж, натюрморт, портрет, бытовой и исторический сюжет.
Фрески древних греков, глянцевые на поверхности, основываются на методе живописи по многослойной штукатурке с добавлением мраморной пудры на верхнем слое.
Станковая античная живопись почти не сохранилась. Она выполнялась на дереве (реже на холсте).
Особая техника восковой живописи древних эллинов представляет собой технику энкаустики (знаменитые фаюмские портреты).

* Живопись средневековья.

Живопись носит религиозный, культовый характер. Особое распространение получают такие виды живописи, как:

— фреска (по сырой штукатурке (традиционная) и по сухой штукатурке (сэкко));

— иконопись (темперными красками, как правило, на яичном клею, по загрунтованной особым образом доске);

* Живопись Древнего Востока.

Страны Передней и Средней Азии, Индия, Китай, Цейлон считаются очагами развития монументальной живописи клеевыми красками по гипсу или извёстке (1 тыс. лет до н.э.).
В Средние века в Месопотамии, Индии, Иране, Средней Азии основное внимание в живописи уделялось миниатюре. Характерные черты этой живописи: тонкие цветовые отношения, поэтика природных сюжетов, утончённая орнаментика. Острая наблюдательность художника позволяет придать этой традиционной живописи особую прелесть.
Широкое распространение получила Китайская и Японская живопись коричневой тушью, акварелью и гуашью на шёлке и бумаге. Для этого вида живописи характерна передача воздушности пространства, тонкая детализация, изящество в изображении людей и природы в сочетании с особой стилизацией.

* Живопись Эпохи Возрождения.

Особую роль в истории живописи данной эпохи отводят Джотто, как предвестнику грядущих открытий и исследований в области художественного языка, колорита, композиции, изобразительной пластики.
Живопись рассматривается как один из способов познания мира, поэтому характерный для данной эпохи в целом научный подход к изобразительному искусству помогает художникам сочетать научные изыскания и культуру, а также проявляется в синтезе искусств (архитектура, скульптура, живопись, графика). В этот период закладываются научные основы существующих доныне принципов изобразительности: линейной и воздушной перспективы, пластической анатомии, светотени, основ оптики и цветовых гармоний. В этот же период изобретаются масляные краски, усовершенствованные как техника Яном ван Эйком. Это позволяет изображать объёкты и предметы, а также среду вокруг них реалистично, объёмно, цветно.

Станковая картина приобретает особую значимость, она востребована в качестве органичного стилю помещения декорирования интерьера. Потребность в камерных произведениях искусства влечёт за собой развитие таких техник живописи как акварель, пастель, тушь. Особое внимание уделяется миниатюрному портрету.

Источник

Живопись для Чайников. Основные этапы работы над картиной. (курс по-Кочегарову с примерами)

Здравствуйте, «художники-передвижники»! Сегодня я вам расскажу и покажу, на примере одной работы, в какой же последовательности создается картина.

Но прежде чем создавать, у вас возникнет вопрос – «Что изображать?», у более умудрённых философов может даже появится «Зачем?». Отвечу просто.

Каждый «пикассо» пишет то, что нравится, о чем душа болит или просто, то, что видит (чукча-пикассо).

«Что изображать?»: учитесь смотреть и видеть. В обычной жизни много необычного. Всегда есть образы и объекты, вызывающие у нас определенные чувства, которые могут породить желание и фантазию.

«Зачем?»: Каждый художник желает дать, а точнее передать эти самые чувства, эмоции и переживания пропущенные через его самое сокровенное, через нутро, окружающим. И если зритель почувствовал то же самое, что и автор, значит, картина работает. И если искусство вызывает положительные эмоции (радость, сострадание, смех, удивление и пр,) то это есть хорошо!

1. Итак, ИДЕЯ=окуржающий мир+чувства+немного фантазии:

2. После появления идеи, нейронные связи в спящем мозгу творца начинают активизироваться. Рука берет карандаш и начинает «думать». Так появляется на свет мысль первый набросок. И чем больше таких набросков художник сделает, тем лучше (можно выбрать лучшую композицию, тоновое решение и пр.)

3. Иногда требуется (а в большинстве случаев это обязательно) прорисовка каких-либо объектов или деталей (фигур, частей тела, архитектуры). Поэтому художник идет «на натуру» и делает зарисовки и этюды с натуры. Или зовет «натуру» к себе в мастерскую)

4. Когда с этим всё становится более понятно, можно приступать к самой картине. Делается рисунок и «подмалёвок».

5. Далее работа идет по принципу «от общего к частному». Но обязательно учитывается и не забывается целостность произведения (цветовая, тоновая, композиционная и смысловая)

А теперь прервёмся, ненадолго) Иногда художнику нужно подумать, отвлечься, а потом с новыми силами продолжить работу. Илья Ефимович своих «казаков» 12 лет например писал)

Лига Художников

26K поста 27.6K подписчиков

Правила сообщества

0. Без грубостей и хейта. Давайте жить дружно!

1. Лига Художников — работы, созданные вами.

Чаще всего это цифровые, традиционные рисунки, на ткани или иных носителях.

2. Слабые работы часто отклоняем, ибо они провоцируют негатив у зрителей.

3. Просим выкладывать картинки в хорошем качестве; на одном изображении только один рисунок; не под углом или наклоном; хотя бы в разрешении 700px; свои работы, а не себя или объекты вокруг.

4. Можем отклонить недоделки. Если хотите показать этап или фрагмент рисунка, покажите вместе с законченной работой.

— Мы приветствуем: традиционные рисунки, цифровые рисунки, рисунки на ткани и иных материалах, процессы создания, уроки, мастер-классы, лекции, полезности для художников.

— Мы отклоняем: посты без ваших работ; слабые работы; некачественные фото; заказы, просьбы, вопросы, объявления; фотоарты, раскраски, обводки; 3D-графику; скульптуру; комиксы, дизайн, каллиграфию.

— Ваш пост может подойти в одно из этих сообществ.

ВАЖНЫЕ РЕКОМЕНДАЦИИ: что влияет на успех поста? Как сделать пост заметнее? Читайте все рекомендации по ссылке =)

1. Всегда добавляйте картинку с законченной работой наверх поста. Даже если в посте этапы рисования / видео процесса.

2. Избегайте рекламных призывов вида «Подпишись, репостни, переходи по ссылке», чтобы не провоцировать агрессию читателей.

3. Укажите оригинального автора, если у вас копия другой работы или срисовка фото.

Или напишите про копию / срисовку в тексте поста.

Иначе зрители могут ругать за плагиат, т. к. в основе чужая идея.

1. Посты-повторы запрещены. Публикуйте одну работу один раз.
Если вашу работу кто-то выложил до вас, можно опубликовать её с тегом «повтор».

2. Эротика разрешена только в специальных NSFW-сообществах.

3. Торговля недопустима в любом виде.

— Воздержитесь от продаж через Пикабу, указания цен (даже в комментах) и обсуждения этих тем.

— Вместо этого автор может оставить в посте свои контакты.

Ты просто красавчик, тебе так идёт это пальто, это пальто великолепно на тебе смотрится

Протест

Вы приняты на работу!

Действительно

Много событий в этом немом фильме

Традиция

Админ у нас увольнялся, ну как увольнялся, уступал место студенту с зарплатой в 4 раза меньше, чем была у админа.

С генеральным не договорился, даже посрались вроде конкретно, короч, картина маслом: админ с трудовой в руке выходит из кадров, и в этот момент по всей (!) громкой связи конторы включается «Staying alive», народ из кабинетов, и все провожают админа взглядом.

Тот самый кондуктор

Тожероссияне

Город где произошло событие: Астрахань.
Орфография и пунктуация сохранены из источника. Источник на вотермарке видео.

Девушка сделала замечание чтобы макака убрала ноги со стола в кафе 7 пятниц на Яблочкова

Источник

Живопись: история, материалы, стили и жанры 4 044 слова Раздел в процессе наполнения и корректировки

Определение: форма двумерного визуального выражения

Искусство живописи состоит в расположении форм, линий, цветов, тонов и текстур на двухмерной поверхности, создавая таким образом эстетический образ. Более того, нельзя сказать, что разнообразие возможностей исключает возможность более точного определения. Готовая картина может быть полностью репрезентативной и натуралистической, такой как у фотореалистов (например, Ричарда Эстеса), или полностью абстрактной, состоящей только из геометрических фигур (таких как работы Пита Мондриана или Бриджит Райли) или где-то между ними. В жанровых терминах это может быть повествовательная история, портрет, жанровая сцена, пейзаж или натюрморт. Он может быть окрашен с использованием краски, энкаустики, темперы, масла, акрила, акварели или любого из новых современных красителей. И, как могут засвидетельствовать искусствоведы и историки, существует бесчисленное множество противоречивых теорий о функции, дизайне, иерархии стилей и эстетике живописи, поэтому, пожалуй, самое безопасное – сказать, что «визуальные художники» заняты задачей создания двухмерных произведений визуального выражения, каким бы образом они к ним ни относились.

Композиция и дизайн

«Дизеньо» (скетч, набросок) – термин происходит из искусства эпохи Возрождения, который переводится как дизайн или рисунок, описывающий идею художника о том, что он хочет создать, а также о ее исполнении – формальной структуры различных элементов, объединенных в единое целое.

Эти формальные элементы включают в себя: линии, форму и массу, цвет, объем и пространство, время и движение.

(1) Линия описывает все, от основных контуров до краев тона и цвета. Линейная работа фиксирует взаимосвязь между соседними или удаленными элементами и областями поверхности окраски, а также их относительную активность или пассивность.

(2) Форма и масса подчеркивается различными областями цвета, тона и текстуры, а также любыми конкретными деталями. Многие из самых известных картин (например, « Тайная вечеря » Леонардо да Винчи) оптически расположены вокруг геометрических фигур (или их смеси). Отрицательное пространство также может быть использовано, чтобы подчеркнуть определенные особенности композиции.

(3) Учитывая, что человеческий глаз может идентифицировать до 10 миллионов различных оттенков, цвет имеет много разных применений. (См. Colorito.) Его можно использовать чисто описательным образом – египтяне использовали разные цвета, чтобы отличать богов или фараонов, а также чтобы отличать мужчин от женщин (мужчин изображали более смуглыми) или для передачи моральных сообщений или эмоциональных настроений или для обозначения перспективы (более слабые цвета для далеких фонов). Смотрите также: Тицианская и Венецианская цветная живопись (1500-76). Прежде всего, цвет используется, чтобы изобразить эффекты света (см. Серию « Стога сена » или « Руанский собор » Клода Моне), в то время как многие великие художники, такие как Караваджо и Рембрандт, использовали контраст между цветами для драматического эффекта, особенно в технике Киароскуро. (см. « Ночной Дозор » Рембрандта). Более подробно: Цвет в живописи.

(4) Элементы объема и пространства связаны с тем, как художник создает глубину и пространственные отношения на плоской поверхности картины. Традиционные художники делают это, используя концепцию линейной перспективы, разработанную во время флорентийского Ренессанса Пьеро делла Франческа и другими (см. Также иллюзионистские приемы квадратуры и ракурса), в то время как кубисты, такие как Пикассо, Брак, Дюшан и Хуан Гри, выражали пространство и объем, показывая диапазон перекрывающихся «снимков» одного и того же объекта, как если бы они рассматривались одновременно с разных точек зрения. Третьи, такие как примитивисты, показывают объекты не в натуралистических отношениях друг с другом, а в отдельности, независимо от того, под каким углом лучше всего проявляются их характерные особенности – к ним относятся, например, уплощенные стилистические формы, используемые древними египтянами.

(5) Элементы времени и движения касаются того, как глаз зрителя может почувствовать картину, с точки зрения скорости и направления, как для ее повествовательного развития (например, в крупномасштабных исторических фресках), так и для ощущения ее потенциала.

Интерпретация живописи

Например, египетское искусство славится своими иконографическими образами, как и византийские панно и до-ренессансные фрески. Ренессансные картины, например работы старых мастеров, таких как Боттичелли, Леонардо и Рафаэль, часто принимали форму очень сложных аллегорических произведений, традиции, которая сохранялась на протяжении последующих эпох барокко и неоклассицизма 17 и 18 веков. Даже натюрморты, особенно жанр живописи Ванитас, были пронизаны моралистической аллегорией. Тем не менее, традиция несколько ослабла в течение 19-го века, под влиянием романтизма, импрессионизма и, в меньшей степени, экспрессионизма, до повторного появления в 20-м веке, когда кубизм и сюрреализм использовали его в полной мере. Подробнее см.: Анализ современной живописи (1800-2000).

Носители

Энкаустика

Одна из основных сред окраски во времена древнего мира, энкаустическая окраска, использует горячий пчелиный воск в качестве связующей среды для удержания цветных пигментов и обеспечения возможности их нанесения на поверхность – обычно на деревянные панели или стены. Она широко использовалась в египетском, греческом, римском и византийском искусстве.

Фреска

Темпера

Вместо пчелиного воска средне-температурная окраска использует эмульсию воды и яичного желтка (иногда смешанную с клеем, медом или молоком) для связывания пигментов. Темперная роспись в конце концов была вытеснена маслами, хотя в качестве метода росписи на панелях она сохранялась веками. Он также широко использовалась в средневековой живописи при создании иллюминированных рукописей. Для получения более подробной информации об этом жанре см.: Готические рукописи с иллюминацией (1150-1350).

Масло

Доминирующая среда начиная с 1500 года. В масляной живописи используются такие масла, как льняное, грецкое или маковое, как связующее и сушильное вещество. Популярность масляных красок проистекает из повышенной насыщенности и сияния, которое масло дает цветным пигментам. Оно также облегчает прорисовку тонких деталей с применением таких методов, как сфумато, а также густых красок, получаемых с помощью толстого слоя (импасто). Важными пионерами техники масляной краски были (в Голландии) фламандские художники Хьюберт и Ян Ван Эйк, а также (в Италии) Антонелло да Мессина, Леонардо да Винчи, и особенно члены школы венецианской живописи, в том числе Джованни Беллини и Тициан.

Акварель и гуашь

Акварельная живопись – довольно динамичная среда – разработанная в Англии – использует водорастворимые пигменты, предварительно приготовленные со связующим веществом, обычно гуммиарабиком. Когда акварели сгущаются, становятся непрозрачными и смешиваются с белым, это называется гуашью. Ранние пионеры акварельной живописи – Томас Гиртин и Дж. М. Тернер. Гуашь была важной средой для многих из лучших миниатюристов, занимающихся ранней миниатюрной портретной живописью, до использования эмалей.

Акрил

Самая современная из всех сред, акриловая живопись – это искусственная краска, содержащая смолу, полученную из акриловой кислоты, которая сочетает в себе некоторые свойства акварели и масел. Очень универсальный краситель, его можно наносить практически на любую поверхность в различных количествах, начиная от тонких смывок и заканчивая толстыми слоями с замазкой. Может давать матовое или глянцевое покрытие и очень быстро сохнет. Популярная у многих известных художников, в том числе Дэвида Хокни, акриловая живопись все еще может заменить масла в 21-м веке.

Формы живописи

Фрески

Относящиеся к палеолитической наскальной живописи, фрески широко представлены в гробницах, храмах, святилищах и катакомбах по всему древнему западному миру, включая Этрурию, Египет, Крит и Грецию. Первоначально лишенные «глубины», они были полностью развиты как живописная среда для библейского искусства во время раннего Ренессанса, такими художниками фресок, как Джотто (см.: Фрески часовни Скровеньи), а затем Масаччо, Фра Анджелико, Рафаэль и Микеланджело. Поскольку во внутренней отделке интерьера все чаще преобладали витражи и гобелены, фресковая роспись теряла популярность, хотя в 19-м и 20-м веках появились новые форматы использования этой технологии.

Живопись на деревянных панелях

Самая ранняя форма переносной живописи, панели, широко использовались (например, в египетском и греческом искусстве, хотя сохранилось лишь немногие предметы того времени), а затем византийскими художниками с 400 года н.э. Как и фрески, панно испытали второе рождение в период поздней готики и раннего ренессанса, в основном как вид декоративного религиозного искусства – например в таких шедеврах, как Гентский Алтарь (1432) Хьюберта и Яна Ван Эйка и Расяптие (1440) Рогира ван дер Вейдена. Подробнее о панно в эпоху Ренессанса в Венеции 16-го века, жанре и периоде, который иллюстрирует колоритный венецианский подход, см.: Венецианские алтари (1500–1600); Венецианская портретная живопись (1400–1600); Наследие венецианской живописи.

Роспись по деревянными панелями была особенно популярна во фламандской живописи и других северных школах из-за климата, который не был благоприятен для фресок. Эта популярность оставалась до конца 17-го века.

Мольберт

Эта форма, как и роспись на панно, была формой студийного искусства, но в качестве основы использовался холст, а не деревянная панель. Холст был и легче, и дешевле, чем панели, и не требовал специального грунтования с использованием гипса и других материалов. Начиная с эпохи барокко (1600) холст и масло стали предпочтительной формой живописи по всей Европе. Он стал особенно популярен среди новых буржуазных меценатов в голландской живописи 17-го века (1600-80), особенно в форме портретных, натюрмортных и жанровых работ.

Иллюминированные рукописи

Этот тип живописи, восходящий к знаменитым образцам древнего Египта, таким как «Книга мертвых», достиг своего апогея в средние века (ок. 500–1000 гг. н.э.) В форме ирландских и европейских иллюминированных (иллюстрированных) манускриптов. Ранние примеры этого типа книжной живописи: Катаха св. Колумбы (начало 7-го века c.610-620), Книга Дарроу (c.670), Евангелие из Линдисфарна (c.698-700), Евангелие из Эхтернаха (или Виллибрордское Евангелие) (c. 700), Евангелие из Личфилда (730), Евангелие из Годескалька (781-83), Золотой Псалтырь (783-89), Евангелие из Лорша (778-820), Келлская книга (c.800), Евангелие Святого Медарда Суассона (810), Утрехтский Псалтырь (830), Евангелие Эбо (835), Великая Библия (840), Библия Вивиан (845).

Как правило, выполненные яичной белой темперой на пергаменте и картоне, эти раскрашенные рукописи отличались чрезвычайно богатым и сложным графическим дизайном, украшенные орнаментом в кельтском стиле, узелками, спиралями и зооморфами, а также образами Святых и Апостолов. К сожалению, появление печатного станка в Германии в 15-м веке вывело этот вид искусства из бизнеса. После этого он сохранился только на Востоке, особенно в форме исламской каллиграфической живописи и иллюстрированных текстов, а также миниатюр из Индии.

Свитки

Ручные свитки – это форма азиатского искусства, датируемая примерно 350 годом н.э., общая для китайской живописи и японского искусства. Состоящие из различной длины бумаги или шелка, они представляли широкий спектр сюжетов, написанных чернилами и тушью, среди которых были, среди прочего, пейзажи, буддийские сюжеты, исторические и мифологические сцены. Руководство по эстетическим принципам восточного декоративно-прикладного искусства см. в разделе Традиционное китайское искусство: характеристики.

Роспись складных экранов и вееров

Существует два основных типа расписанных экранов: традиционные китайские и японские складные экраны, расписанные чернилами или тушью на бумаге или шелке, начиная с 12-го века – форма, которая позже включала лаковые экраны; и экраны иконостасов, найденные в византийских, греческих и русских православных церквях. Экраны использовались в качестве ширмы, которая отделяет святилище от нефа. Этот экран традиционно украшен религиозными иконами и другими образами, используя либо энкаустические, либо темперные краски. Расписные вееры – как правило, украшенные чернилами и цветными пигментами на бумаге, картоне или шелке, иногда сусальным золотом или серебром, – возникли в Китае и Японии, хотя, как ни странно, многие из них были изготовлены в Индии. В Европе роспись вееров не практиковалась до 17-го века, появившись во Франции и Италии примерно с 1750 года.

Современные формы живописи

Художники 20-го века экспериментировали с огромным диапазоном основ и материалов, включая сталь, бетон, полиэстер, неоновые огни, а также бесконечное разнообразие «найденных» предметов. Последнее иллюстрируется в работах Ива Кляйна (1928-1962), который раскрасил женские обнаженные тела синей краской, а затем запечатлел их на холсте; и Роберта Раушенберга (1925-2008), чья работа Кровать (1955) состояла из стеганого одеяла с его собственной кровати, расписанного зубной пастой, губной помадой и лаком для ногтей.

Жанры живописи

Существует пять традиционных жанров живописи. Они ранжируются следующим образом:
(1) историческая живопись – которая включает мифологическую живопись – (2) портретная живопись, (3) жанровая живопись, (4) пейзаж и (5) натюрморт. Эта система ранжирования соответствует «Иерархии жанров», объявленной европейскими академиями изящных искусств, которые оценивают картины в соответствии с их моральным содержанием или смыслом. Таким образом, натюрморты, лишенные какого-либо человеческого присутствия, предположительно содержали наименьшее смысловое повествование. Для сравнения, исторические картины, изображающие сцены эмоциональной борьбы, имели наибольшее повествовательное содержание и поэтому считались главной формой живописи.

История и стили живописи

Происхождение

История искусства стала свидетелем широкого спектра стилей живописи. Начиная с доисторических наскальных рисунков (например, в пещерах Альтамира, Шове и Ласко), она включает в себя фрески и панно египетской, минойской, микенской и этрусской цивилизаций, а также классический античный стиль греческой живописи и римского искусства. Прекрасным примером из классической античности является серия Фаюмских портретов, которые в основном встречаются в районе оазиса Файюм неподалеку от Каира.

Распад Римской империи (ок. 450 г. н.э.) привел к господству византийского искусства, основанного в Константинополе. Между тем Западная Европа пережила четыре века застоя – темные века – до того, как папа Лев III короновал Карла Великого, императора Священной Римской империи. Суд Карла Великого спонсировал мини-культурное возрождение, известное как искусство Каролингов (750-900). Это возрождение поддерживалось Отто I, II и III, эпохой оттонского искусства, до того, как возрожденная римская церковь последовательно развивала культурные стили романского (1000-1200) и готического искусства (1150-1375). Основными видами живописи, распространенными в время этих пяти периодов, были панно с иконами, религиозные фрески и книжная иллюминация.

Проторенессанс

Средневековая западная живопись строго регулировалась соглашением. Мало того, что предмет был ограничен почти исключительно изображением библейских фигур, но также существовали каноны, которые устанавливали, какие главы Ветхого и Нового Заветов могут быть включены и как они должны быть истолкованы. Структура картины соответствовала «перспективе смысла», в результате чего важные предметы были показаны крупно, а менее важные – в меньшем масштабе. Художники также были обязаны следовать формальному набору условностей в своих композициях, касающихся например, цвета, пространства и фона. Таким образом, натурализм вообще не был разрешен. Божественный мир Бога, Иисуса, Девы Марии, Пророков, Святых и Апостолов – который был доминирующей темой – рассматривался как трансцендентный мир, великолепие и славу которого обычно символизировала светящаяся золотая земля.

Первыми художниками, которые бросили вызов жесткости этих правил рисования, были Чимабуэ и его ученик Джотто (1270-1337), чей цикл фресок в Капелле Скровеньи (часовня Арены) в Падуе привнес новый реализм, используя гораздо более натуралистическую идиому. В результате Джорджио Вазари (1511–1574 гг.) описывает Джотто в «Жизни художников» («Vite de ’piu eccellenti architetti, pittori, et scultori Italiani») (1550) как «отца живописи». Другим новатором эпохи проторенессансного периода (1300-1400) был Амброджо Лоренцетти (активная деятельность 1319-48) из Сиенской школы живописи.

Раннее Возрождение

Высокий/Поздний Ренессанс

Северный Ренессанс

Между тем, в Северной Европе (Фландрия, Голландия, Англия и Германия) Северный Ренессанс развивался несколько иным образом, не в последнюю очередь в том, что он предпочитал масляную живопись (фреска была менее приспособлена к более влажному климату), а также его интересом к печати. Великими художниками эпохи были: Ян Ван Эйк (1390-1441), Рогир ван дер Вейден (1400-1464), Иероним Босх (1450-1516), Альбрехт Дюрер (1471-1528) и Ганс Гольбейн (1497-1543).

Манерность

Искусство бурного чинквенто (16-го века) характеризовалось менее гармоничным, более вынужденным стилем живописи, называемым маньеризмом. Вторая Сикстинская фреска Микеланджело, «Страшный суд», является образцом этого подхода, как и «Погребение графа Оргаза» Эль Греко (c.1541-1614).

Барокко

Голландская школа реалистов

Некатолическое искусство голландского барокко и некоторые произведения фламандского барокко должны были развиваться по-разному, поскольку власти протестантских церквей мало интересовались заказом религиозных произведений. Однако рост благосостояния среди торговых и профессиональных классов привел к появлению нового типа коллекционера произведений искусства, гордость которого своим домом вызвала новый спрос на станковое искусство: в частности, жанровые произведения, пейзажи и натюрморты. Так возникли великие голландские реалистические школы жанровой живописи в Делфте, Утрехте, Харлеме и Лейдене, среди членов которых мы находим гениев, таких как Рембрандт (1606-1669) и Ян Вермеер (1632-1675).

Рококо

К 1700 году весомая барочная идиома превратилась в более легкий, менее серьезный стиль, который в конечном итоге обрел независимую форму в движении, известном как рококо. Этот причудливый декоративный стиль был исключительно французским, но, в конце концов, он распространился по всей Европе в 18 веке. Его величайшими представителями были французские художники Жан-Антуан Ватто (1684-1721), Жан-Оноре Фрагонар (1732-1806), Франсуа Буше (1703-1770) и венецианский мастер Джамбаттиста Тьеполо (1696-1770), который прославился своими великолепными настенными и потолочными фресками. Рококо стало тесно связано с декадентскими древними режимами Европы, в частности, с французским королем Людовиком XV и его любовницей мадам де Помпадур.

Неоклассицизм и романтизм (расцвет в 1789-1830 г.г.)

Французская революция 1789 года совпала с появлением двух разных художественных стилей: неоклассического искусства и романтизма. Сторонники неоклассической живописи обращались к классической древности за вдохновением; их картины характеризуются героизмом, обременительным долгом и осязаемым чувством серьезности. Его ведущим представителем был французский политический деятель Жак-Луи Давид (1748-1825). Среди других известных художников-неоклассиков были немецкий портретист и исторический художник Антон Рафаэль Менгс (1728-79) и французский мастер стиля академического искусства Жан-Огюст-Доминик Энгр (1780-1867). Однако самым большим вкладом движения была его архитектура, которая занимает свое почетное место и в наши дни.

В отличие от серьезности и общечеловеческих ценностей, пропагандируемых неоклассицизмом, художники-романтики стремились вернуться к природе, примером чему является их поддержка стихийной пленэрной живописи (например, в школах живописи Барбизон, Понт-Авен и Норвич) Они полагались на чувства и эмоции, а не на разум и интеллект. Романтические художники имели тенденцию выражать эмоциональную личную реакцию на жизнь. Среди знаменитых романтиков были Джон Констебл (1776-1837) и Дж. Тернер (1775-1851) – важные представители английской пейзажной живописи XIX века, Каспар Давид Фридрих (1774-1840) и Камиль Коро (1796-1875); а также художники-историки и портретисты Франсиско Гойя (1746-1828), Генри Фусели (1741-1825), Джеймс Барри (1741-1806), Теодор Жерико (1791-1824) и Эжен Делакруа (1798-1763). Почитайте также про английскую фигуративную живопись (1700-1900).

Позднее романтическое искусство включало: живопись левантинских ориенталистов, американскую пейзажную школу Гудзон-Ривер, мистические произведения символизма и братства прерафаэлитов, а также фантастические сказочные картины школы магического реализма.

Реализм

Живопись импрессионистов

Ко второй половине 19-го века Париж стал бесспорным центром мирового искусства. Он упрочил свои позиции, породив одно из величайших современных направлений в искусстве всех времен – импрессионизм, основными приверженцами которого были: Клод Моне (1840-1926), Камиль Писсарро (1830-1903), Альфред Сислей (1839-1899), Пьер Огюст Ренуар (1841-1919), Эдгар Дега (1834-1917), Эдуард Мане (1832-83), Поль Сезанн (1839-1906) и Берта Морисо (1841-95). Среди других художников, связанных с импрессионистским стилем, были Жорж Сёра (1859-1891), Поль Гоген (1848-1903), Джон Сингер Сарджент (1856-1925), Джеймс Макнил Уистлер (1834-1903) и Уолтер Сикерт (1860-1942), Смотрите также: Лучшие картины импрессионистов.

Хотя импрессионисты распались как «группа» в начале 1880-х годов, этот стиль породил целый ряд связанных стилей живописи, свободно упоминаемых под заголовками Нео-импрессионизм и Пост-Импрессионизм. В их число входит также пуантилизм, ответвление от дивизионизма, интимизм и стили американского пейзажа и морских пейзажей, а также групп художников, таких как английская школа Ньюлин (Newlyn) и Камден-таун (Camden Town Group), декоративные французские стили живописи Синтетизм (Гоген) и Клуазонизм (Бернар, Анкетен), который вдохновил Наби и немецкую группу Worpswede.

Живопись начала 20-го века

В период с 1882 по 1925 год в мире искусства появилось множество новых стилей живописи. Два главных движения этого взрыва современного искусства были:

(2) Кубизм – более интеллектуальный стиль, в котором фигурирует аналитическая, а не синтетическая кубистская живопись, впервые предложенная Жоржем Браком (1882-1963) и Пабло Пикассо (1881-1973). Эксперименты кубизма с двумерной плоскостью изображения привели к таким стилям, как футуризм, итальянское художественное движение, основанное в 1909 году Филиппо Маринетти (1876-1944); Орфический кубизм (симултанизм) Роберта Делоне (1885-1941); Лучизм, разработанный русскими художниками Михаилом Ларионовым (1881–1964) и Натальей Гончаровой (1881–1962); русское движение абстрактного искусства 1913-15 годов, известное как супрематизм, возглавляемое Казимиром Малевичем (1878-1935) и голландское движение де Стейл, основанное в 1917 году Тео ван Дусбургом (1883-1931) и Питом Мондрианом (1872-1944), который позже превратился в Неопластизм. Для получения дополнительной информации см.: Абстрактная живопись.

На живопись начала 20-го века также повлияли декоративные элементы стиля модерн (югендстиль в Германии) и ар-деко.

Европейская авангардная живопись впервые была показана в Америке на Армори шоу (1913) в Нью-Йорке.

Живопись после Первой мировой войны: сюрреализм

После анти-художественных выходок Дада первым международным живописным движением в межвоенные годы стал сюрреализм, чей непочтительный популистский стиль оказал большое влияние на поздний поп-арт. После пионерской метафизической картины Джорджио де Кирико, главного предшественника сюрреалистического искусства, в число ведущих художников-сюрреалистов вошли Макс Эрнст (1891–1976), Ман Рэй (1890–1976), Жан Арп (1887–1966), Хуан Миро (1893– 1983), Рене Магритт (1898-1967) и Сальвадор Дали (1904-1989).

Послевоенное искусство: абстрактный экспрессионизм (1945-65)

К 1940 году, когда Европа была в хаосе, центр искусства мира переместился в Нью-Йорк, где растущее число художников из числа коренных народов смешалось с художниками-эмигрантами из Франции, Испании и Германии, нашедших покровительство и поддержку, среди прочих, со стороны семьи Гуггенхайма. Атмосфера была тяжелой из-за войны, от которой многие художники бежали за океан, ища утешения и смысла в абстрактности, а не в фигуративном искусстве, которое фактически пришло в упадок после упадка американской жанровой живописи и ее варианта под названием Регионализм.

Из влиятельных европейцев-эмигрантов – такие как: Макс Эрнст (который женился на Пегги Гуггенхайм), бывший художник из группы Баухауз, Йозеф Альберс (1888-1976) и армянский Аршил Горки (1904-1948) – плюс уникальные американские художники, такие как Марк Ротко (1903-1970), Джексон Поллок (1912-1956). Благодаря этому близкому знакомству пришли Абстрактный экспрессионизм с его вариантами экшн-живописи (Поллок и Ли Краснер), Живопись цветного поля (Ротко, Стилл, Ньюман, Франкенталер, Кеннет Ноланд), Живопись твердых граней (Фрэнк Стелла) и Пост-Художественная абстракция (Эллсворт Келли).

В Европе абстрактная экспрессионистская живопись развивалась под общим знаменем Информализма (Альфред Отто, Вольфганг Шульце, Вольс), чьи подстили включали Лирическую абстракцию (например, Николас де Сталь), Тахизм (Сэм Фрэнсис), Материальную живопись (Энтони Тапьес), и группу Кобра (например, Асгер Йорн, Карел Аппель).

Высоко влиятельное движение, Абстрактный Экспрессионизм, в конечном счете привело к Минимализму – одному из первых движений современного искусства – через подстили, такие как Оп-арт, отстаиваемый Бриджит Райли (р.1931).

Поп-арт (1960-е)

По мере того как абстрактный стиль становился все более интеллектуальным, другие американские художники искали альтернативы – если не в вымысле, то, по крайней мере, в повседневной реальности. В конце 1950-х годов Джаспер Джонс (р. 1930) и Роберт Раушенберг (1925-2008) начали исследовать использование популярной культуры в качестве источника вдохновения. Это быстро привело к антиинтеллектуальному поп-арт движению, примером которого являются работы Роя Лихтенштейна (1923-1997), Энди Уорхола (1928-1987) и Дэвида Хокни (р. 1937), среди многих других. После спада в начале 1970-х, он снова появился как Нео-поп-арт в 1980-х.

Современная живопись

Современное искусство репрезентации с 1970 года стало свидетелем фигуративной живописи, в том числе работ Фрэнсиса Бэкона (1909-1992) и Фернандо Ботеро (р.1932), неоэкспрессионизма китайских художников, таких как Чжан Сяоган (р. 1958) и Юэ Миньюнь (р. 1962), пейзажей Питера Доига (р. 1959) и украинского художника Дмитрия Колуйного, картин Александра Власенко, а также многочисленных портретов ряда молодых художников, в том числе ирландцев Дэвида Нолана (р.1966) и Конора Уолтона (р.1970), среди многих других. Несмотря на это, фигуративная живопись еще не нашла своей ниши в современном искусстве. То же самое относится и к репрезентативной живописи, которая продолжает привлекать множество молодых художников-абстракционистов и порождает многочисленные мини-движения, не приводя к большим результатам.

Вполне возможно, что все это более воображаемо, чем реально. Например, отсутствие международных движений может создать иллюзию того, что наблюдаемый прогресс незначителен, несмотря на яркие местные события. Кроме того, художники постмодернизма по-прежнему имеют возможность создавать прекрасные примеры абстракции – например, отличительный ворд-арт, созданный Кристофером Вулом (р. 1955) в его черно-белых эмалевых картинах.

Таким образом, в целом, если говорить грубо, то искусство живописи после 1970-х годов – несмотря на большой индивидуальный блеск – кажется, не дало ожидаемой доли шедевров. Вместо этого можно утверждать, что художники-постмодернисты изо всех сил пытались найти ответы на эти три вопроса: (1) Насколько значима фигуративная живопись в эпоху, где доминирует фотографическая журналистика и видеофильмы? (2) Что еще может предложить абстрактная живопись с точки зрения эстетической оригинальности? (3) В какой степени живопись может конкурировать с более «современными» формами искусства, такими как инсталляция, для внимания простых людей, в художественных музеях или других общественных местах?

Возможно, традиционные навыки рисования и живописи, которым больше не уделяется внимание, ранее отведенное им художественными колледжами и академиями, находятся в упадке, хотя, по крайней мере, в России, Восточной Европе и Китае современные видео и фото технологии оказывают меньшее влияние на искусство. С другой стороны, новые технологии, такие как графические планшеты со стилусами, а также цифровая графика открыли рисование для более широкого круга практиков, что может быть только позитивным событием.

Источник