с чего начинается любая картина

С чего начинается картина?

Время на прочтение: 3 минуты

Давайте рассмотрим три главных приема в композиции.

Принцип исходит из названия: берем картину, делим её на три части и выделяем ⅓ или ⅔ плоскости. Здесь мы можем расположить главный объект, либо же линию горизонта.

Откуда это все пошло? От ряда чисел, называемых «Последовательность Фибоначчи», которое начинается с 0 и 1 и каждое последующее число является сумму двух предыдущих. Поскольку эта последовательность бесконечна, то была принята константа (число φ), приблизительно равное 1,618.

Да Винчи, Рафаэль, Рембрандт и многие другие художники сознательно использовали пропорции «золотого сечения», а теперь их картины служат эталоном мастерства.

Кстати, если интересно, можете прочитать книгу английского художника У. Хогарт, который посвятил целую книгу «Анализ красоты» разбору этой линии.

И вот самые удачные компоновки для грамотной композиции:

Композиции бывают центрально-взвешенные или с перевесом вправо или влево, динамичные за счет диагонали, или спокойные, стремящиеся к горизонтали.

Все в картине поддерживает одну точку, которая, как правило, располагается на главном объекте, куда вы хотите привлечь внимание. От того, где находится точка фокуса, надо выбирать соответствующий прием, который бы усиливал магнетизм объекта.

Множественные точки фокуса

Здесь либо точек много, и все они одинаково важны, либо есть все же одна главная, а остальные вторичны. Вторичность, третичность точек создается с помощью контраста света, размытия или расположения объектов согласно приемам, например, правилу третей.

Источник

Живопись для Чайников. Основные этапы работы над картиной. (курс по-Кочегарову с примерами)

Здравствуйте, «художники-передвижники»! Сегодня я вам расскажу и покажу, на примере одной работы, в какой же последовательности создается картина.

Но прежде чем создавать, у вас возникнет вопрос – «Что изображать?», у более умудрённых философов может даже появится «Зачем?». Отвечу просто.

Каждый «пикассо» пишет то, что нравится, о чем душа болит или просто, то, что видит (чукча-пикассо).

«Что изображать?»: учитесь смотреть и видеть. В обычной жизни много необычного. Всегда есть образы и объекты, вызывающие у нас определенные чувства, которые могут породить желание и фантазию.

«Зачем?»: Каждый художник желает дать, а точнее передать эти самые чувства, эмоции и переживания пропущенные через его самое сокровенное, через нутро, окружающим. И если зритель почувствовал то же самое, что и автор, значит, картина работает. И если искусство вызывает положительные эмоции (радость, сострадание, смех, удивление и пр,) то это есть хорошо!

1. Итак, ИДЕЯ=окуржающий мир+чувства+немного фантазии:

2. После появления идеи, нейронные связи в спящем мозгу творца начинают активизироваться. Рука берет карандаш и начинает «думать». Так появляется на свет мысль первый набросок. И чем больше таких набросков художник сделает, тем лучше (можно выбрать лучшую композицию, тоновое решение и пр.)

3. Иногда требуется (а в большинстве случаев это обязательно) прорисовка каких-либо объектов или деталей (фигур, частей тела, архитектуры). Поэтому художник идет «на натуру» и делает зарисовки и этюды с натуры. Или зовет «натуру» к себе в мастерскую)

4. Когда с этим всё становится более понятно, можно приступать к самой картине. Делается рисунок и «подмалёвок».

5. Далее работа идет по принципу «от общего к частному». Но обязательно учитывается и не забывается целостность произведения (цветовая, тоновая, композиционная и смысловая)

А теперь прервёмся, ненадолго) Иногда художнику нужно подумать, отвлечься, а потом с новыми силами продолжить работу. Илья Ефимович своих «казаков» 12 лет например писал)

Источник

Процесс и структура создания картины от начала до конца

СОДЕРЖАНИЕ

Живописи маслом по праву принадлежит большинство шедевров в мире искусства. Ведь ей характерна особая глубина и разнообразие цветовых оттенков, которых сложно и даже, порой, невозможно достичь, работая с другими красками. В то же время, именно рисование маслом требует особо четкого соблюдения этапности процесса создания картины. Если ими пренебречь, конечный результат, вероятнее всего, разочарует художника. Ведь масляные краски не терпят спешки, а техники, в основном, требуют многослойного подхода.

О том, как рисовать масляными красками, чтобы получить желаемый результат и удовольствие от самого процесса, вы узнаете в этой статье.

Идеи для вдохновения на новую картину

Первый этап в масляной живописи начинается с творческой идеи автора, которую он желает воплотить на полотне. Именно она знаменует зарождение будущего произведения искусства.

Иногда вдохновение на создание картины приходит внезапно и неожиданно, а порой, художник длительное время находится в его поиске для создания «той самой» работы. Если вы решили попробовать себя в масляной живописи, но еще не вдохновились какой-либо идеей, можно обратиться к методам, которые позволят ускорить процесс:

прогулка на природе отличный способ зарядиться энергией и наполниться новыми идеями. Именно разнообразие и красота природы являлись одним из сильнейших источников вдохновения для деятелей искусства в различных сферах;

чтение, ведь герои книг часто оказывают на нас сильное эмоциональное влияние. Персонажи хорошего литературного произведения вынуждают нас сопереживать им, горевать и радоваться вместе с ними, а порой, возмущают и огорчают нас. Все эти эмоции и переживания могут воплотиться на холсте в сюжете вашей картины;

театр и кино, подобно книгам, тоже оказывают определенное эмоциональное воздействие на человека, которое в дальнейшем может вдохновить на творчество;

посещение галерей или онлайн просмотр картин других авторов тоже подталкивает взяться за кисть и приступить к работе красками;

музыка создает настроение и вдохновляет людей с момента появления в истории человечества. Прослушивание любимых песен или музыкальных композиций — один из наиболее распространенных способов настроиться на нужный лад.

Если же вы чувствуете, что ваша идея еще не сформировалась окончательно и требует времени для полного раскрытия, не стоит спешить браться за масло, вы можете просто стать напротив холста и мысленно начать представлять, как вы воплощаете её на полотне. Таким образом вы сможете точно для себя понять, готовы вы приступать к её реализации, или вам еще требуется время для окончательного и четкого представления своей задумки.

Натяжка холста на подрамник

Если ваш холст еще не натянут на подрамник, то следующим этапом станет натяжка полотна. Конечно, в том случае, если для своей работы вы решили выбрать именно холст, что является не единственным, но наилучшим вариантом для живописи маслом. О том, как правильно подобрать холст для масляной живописи, вы можете узнать в одной из статей нашего блога.

Если же холст требует натяжки, действуйте по инструкции:

Отмерьте полотно так, чтобы с каждой стороны оно было на 10-15 см больше деревянного каркаса подрамника.

Расположите холст таким образом, чтобы длинные стороны рамы (если она не квадратная) шли параллельно нитям полотна.

Загните верхний край полотна и закрепите его скобой с помощью строительного степлера посередине. Затем проделайте то же самое с нижней частью, но уже с сильной натяжкой полотна.

На данном этапе на обратной стороне появляется складка. Не стоит пугаться, она исчезнет как только вы проделаете то же самое с правой и левой короткими сторонами.

Теперь вбивайте следующие скобы, при этом необходимо двигаться от центра к краям и соблюдать все ту же очередность: верх, низ, боковушки. Шаг скоб должен составлять 3-4 см.

Когда до углов остается 5-6 см, необходимо сделать аккуратный загиб и зафиксировать его скобой. Проделываем это с каждым углом.

В конечном результате ваш холст при постукивании должен вести себя подобно барабану, для чего требуется хорошая натяжка полотна в процессе. Для этого лучше использовать специальные прорезиненные щипцы для натяжки холста, но можно и ограничиться силой рук.

Грунтовка холста

Зачастую специализированные художественные магазины предлагают покупателю уже готовый к эксплуатации прогрунтованный холст. Однако, если ваше полотно еще не прогрунтовано, или вам кажется, что грунтовка не достаточно хороша, вы можете сделать это самостоятельно. Желательно использовать именно прогрунтованный холст, поскольку именно грунт защищает полотно от проникновения связующих веществ в составе красок и способствует нормальному просыханию красочных слоев.

Для дальнейшей работы с масляными красками подходит как масляный, так и акриловый грунт для холста. Также, можете использовать акриловую краску для строительных работ. Приступая к самому процессу, вооружитесь широкой кистью или флейцем и начинайте наносить грунт на полотно широкими мазками. Затем оставьте полотно на 12-14 часов для просушки, после чего нанесите второй слой грунта таким же образом. Снова дайте холсту 12-14 часов для высыхания. По желанию повторите процедуру еще 1-2 раза, но обычно двух слоев грунтовки вполне достаточно.

Подготовительный рисунок. Создание наброска картины

Вооружившись всем необходимым для рисования масляными красками, можно приступать к созданию наброска картины. На этом этапе художник создает так называемый, подготовительный рисунок. Для этого можно использовать следующие материалы:

уголь, поскольку линию можно контролировать натиском руки, а также, рисунок можно будет легко исправить;

тушь, только предварительно лучше развести её слегка водой, чтобы избежать чрезмерного контраста;

масляные краски, если у вас уже есть достаточный опыт работы с ними, поскольку этот вариант требует уверенной руки и зоркого глаза.

Стоит отметить, что использовать для этой цели простой карандаш не желательно, поскольку при нанесении красок он может размазываться и грязниться на полотне.

Цель данного этапа — создать общую композицию, соотношение форм и пропорций будущего рисунка на холсте. Чем детальнее будет ваш подготовительный рисунок, тем легче вам будет на последующих этапах. Однако вдаваться в совсем мелкие прорисовки здесь не имеет особого смысла.

Подбор оттенков красок. Корректировка эскиза

На данном этапе вы еще можете внести поправки в свою изначальную идею или подкорректировать подготовительный рисунок до нанесения первого слоя красок. Если же вы уверены, что никаких изменений вносить не нужно, подготовьте необходимые вам цвета красок. Для этого необходимо отобрать цвета и оттенки, которые будут преобладать на вашей картине. К примеру, если в изображении будет много зелени, подготовьте те цвета, которые смогут передать её разнообразие, но не будут создавать ненужные акценты своим контрастом.

Для этого не обязательно иметь большой ассортимент масляных красок, ведь нужного оттенка можно добиться их смешиванием. О том, как именно стоит смешивать масляные краски, вы можете прочесть в одной из статей нашего блога.

Главное правило, которым необходимо руководствоваться при подборе цветов и оттенков — движение от первого плана ко второму и третьему. Основной ориентир — ваш первый план и его основные цвета, все остальные цветовые решения должны гармонично вписываться в работу относительно него.

Лессировки прозрачными красками

Когда подготовительный рисунок готов и высох, пришло время нанесения первого красочного слоя. Его выполняют прозрачными лессировочными красками, которые и создают особую глубину в масляной живописи.

Для этого необходимо использовать именно те краски, которые подходят для лессировки. Об этом можно узнать по маркировке на тюбике. Она изображена в виде квадрата, который может быть черным, черно-белым или состоять из черного контура пустого внутри. Первый вариант говорит о сильных укрывистых свойствах краски, второй — что они полупрозрачны, третий — прозрачны. На данном этапе лучше всего подойдет второй вариант.

В результате у вас должна образоваться тонкая полупрозрачная пленка под которой будет виден ваш подготовительный рисунок.

Просушка картины после первой прописки масляными красками

Первый лессировочный слой сохнет не долго. Этот процесс занимает от одного до трех дней. Специально стараться ускорить высыхание первого слоя не стоит, как и всех последующих. Работа должна находиться в хорошо проветриваемом помещении, но без излишнего сквозняка. Также, важно наличие естественного света или хорошее искусственное освещение. Ведь в темноте процесс высыхания масляных красок существенно замедляется.

Подмалёвок. Устранение мелких погрешностей

На этом этапе создают основные цветовые сочетания и фактуры. Здесь уже используют как укрывистые (черный квадрат на маркировке), так и полупрозрачные краски (черно-белый квадрат на маркировке).

Краску стоит наносить тонким слоем, в связи с чем, можно воспользоваться разбавителем для масляных красок. Также, нет необходимости детально прописывать формы объектов. Основная цель создания подмалевка — задать цвето-тональные отношения в картине. Поэтому художники часто используют белила для правильной расстановки свето-теней в композиции. Ведь компоновка работы должна хорошо читаться на данном этапе.

Перепроверьте, соответствует ли передача цветов вашей задумке, а также, взаимосвязь предметов между собой, выраженная в светлых и темных участках подмалевка. Если вы видите погрешности, можете легко их исправить пока краски еще сырые.

Просушка подмалевка

Сохнет подмалевок дольше лессировочного слоя. Процесс занимает около недели. Однако может потребоваться и больше времени в зависимости от толщины красочного слоя. Требования к помещению, где сохнет картина, остаются такими же.

Чтобы понять, высох слой масляной краски или нет, проведите аккуратно пальцем по холсту. Стоит отметить, что отсутствие мажущейся краски на пальце еще не гарантирует, что подмалевок окончательно высох. Она также не должна продавливаться под натиском руки, а полностью затвердеть. Ведь масло сохнет от внешнего слоя к внутреннему и этим может ввести новичка в заблуждение.

Основная прописка форм и объёмов

После окончательного высыхания подмалевка можно приступать к тщательной прописке форм и объемов предметов на картине. На этом этапе можно использовать мастихин, если вы хотите добавить работе экспрессивности и фактурности.

На данной стадии творческого процесса в основном используют краски с высокими укрывистыми свойствами, но можно воспользоваться и полулессировочными. Также, активно применяются белила для выделения светлых участков и полутеней.

Этап прописывания основных форм заключается именно в этом, поэтому не имеет смысла покрывать все участки картины еще одним слоем краски только для соблюдения технологии. Уделяйте внимание тем местам, которые этого требуют. Здесь художник добавляет картине новые детали, при этом сохраняя уже сотворенное раннее.

Просушка после основной прописки

Данный этап еще можно назвать «длительной просушкой», поскольку длиться он будет не менее месяца. Здесь, опять же, все зависит от толщины красочного слоя, ну и конечно, условий помещения, где сохнет картина.

Аккуратно проверяйте слой краски на холсте натиском пальца, чтобы убедиться в его полном высыхании. Если краска пружинит — внутри она еще сырая и продолжать работу над картиной рано.

Прописка деталей

Только окончательно убедившись в полном высыхании работы, мы можем переходить к данному этапу. Здесь художник должен действовать решительно, но не переусердствовать. Ведь наличие множества тщательно прописанных деталей еще не свидетельствует о высоком уровне мастерства. Поскольку тем самым, рассеивается внимание зрителя.

Основные смысловые детали располагаются ближе к первому плану. Именно они создают ощущение реальности и раскрывают суть произведения.

Лучше всего ограничиться 1-2 основными тщательно прорисованными деталями, которые будут привлекать к себе внимание зрителя. Зачастую, они могут контрастировать на полотне, тем самым, донося послание автора.

Обобщение

Данный этап предполагает списывание дальнего плана, смахивание излишних деталей и обобщение второстепенных форм. Все это необходимо для целостности картины и внесения ясности в замысел художника.

Здесь может применяться лессировка, которая заполнит бороздки оставленные кистью, и визуально придает глубины картине. Также, можно применить технику «сухая кисть», которая подчеркивает текстуру объектов. Чаще всего ее используют при написании пейзажей, когда нужно передать природную неровность элементов. Возможно и легкое взмахивание тряпкой по только написанным предметам, чтобы они не отвлекали зрителя от основного плана картины.

Также, необходимо уделить внимание краям картины, на которых не должно сосредотачиваться внимание зрителя. На данном этапе художник доводит расставленные акценты до совершенства, и окончательно отделяет первый план от второго.

Просушка до полного высыхания

Теперь нужно набраться терпения и оставить картину до полного высыхания. Чтобы проверить, высохла работа или нет, вы также, можете воспользоваться чистой белой тряпкой, которой нужно провести с легким натиском руки. Объемные мазки, все же, лучше проверять пальцем.

Когда картина высохнет, необходимо тщательно её осмотреть и проверить на предмет наличия потемнения или пожухлостей, или каких-либо других технологических дефектов. Если что-то обнаружите, можете протереть работу слегка смоченной льняным маслом чистой тряпочкой. Данную процедуру можно повторять с интервалом в неделю. Это придаст блеск краскам и сгладит образовавшиеся пожухлости.

Будьте внимательны, чтобы не переборщить с количеством масла, ведь избыток жира может образовывать липкий мутный слой, на который, к тому же, будет оседать пыль и мелкий бытовой мусор.

Покрытие изображения лаком

Это не обязательный этап, однако стоит его пройти, если хотите сохранить полотно надолго. Ведь защитный лак не только придает яркость краскам и глянцевый блеск всей картине, но и защищает ее от механических повреждений.

Обратите внимание, что для этой цели используется только покрывной лак. Важно не перепутать его с ретушным или лаком для живописи. О том, как правильно наносить защитное покрытие на высохшую картину, вы можете узнать в нашей статье.

Оформление работы в багетную раму

Прежде чем перейти к процессу описания оформления картины в багетную раму, стоит отметить, что после этого картину будет сложнее перевозить. Именно поэтому, большинство художников оставляют свои работы без рамы. Однако багет служит тем обрамлением, которое придает особую изысканность и завершенность картине. С помощью рамы вы можете подчеркнуть суть работы и выгодно выделить её на стене.

Оформить картину в багетную раму можно в специальной мастерской, где вам помогут подобрать материал и размер соответственно вашему произведению искусства. Конечно, некоторые умельцы самостоятельно изготавливают рамы необходимого размера и оформляют в них живописные работы. Однако для этого требуются как специальные инструменты, так и навыки работы с ними. Неопытный человек, вероятнее всего, только потратит время и усилия, пытаясь соорудить багет самостоятельно.

Резюме

Процесс создания картины маслом предполагает многоэтапный подход и занимает больше времени, нежели работа с другими материалами. Однако именно масляная живопись позволяет достичь глубины и объема, которые невозможны при работе с акварелью, акрилом, пастелью.

Поэтому не удивительно, что большая часть мировых шедевров является представителями масляной живописи, которая, к тому же, отличается своей долговечностью. Ведь покрытое защитным лаком произведение искусства может сохранять свой первозданный вид столетиями.

Конечно, определенная сложность и длительность процесса написания картины может пугать новичка, но если вы будете следовать всем этапам многослойной масляной живописи, представленным в этой статье, вы сможете насладиться не только конечным результатом, но и самим процессом работы над картиной.

Самое раннее произведение Леонардо да Винчи

Небольшая расписная плитка вызвала довольно большой переполох среди ученых арт-мира. Это потому, что некоторые ученые полагают, что недавно обнаруженная работа – это самое раннее известное произведение Леонардо да Винчи.

Интересные факты о живописи

Картина хранит в себе тайны создателя. Порой нам удается их разгадать, но многие из них продолжают быть загадками, либо же просто остаются незамеченными.

Новости

Struchaieva Art на выставке «Абстракции»

ХО Национального союза художников Украины проводит выставку нефигуративного искусства «Абстракции», где представлены работы современных украинских художников.

Источник

Как создать композицию в живописи

Пейзаж в живописи – как передать красоту природы?

Как рисовать натюрморт

Как создать композицию в живописи

Создание любого художественного произведения начинается с композиции, которая строится по законам визуального восприятия и является основой изображения. Композиция (от латинского compositio – соединение, сочетание, связывание) – одна из главных категорий изобразительного искусства, определяющая художественную форму и задающая разработку картины, рисунка, иллюстрации в соответствии с тем, как человеческий глаз воспринимает действительность.

Композиция представляет собой костяк («скелет») произведения, отвечающий за грамотное размещение объектов в пространстве, правильное соотношение их размеров и конфигураций, а также гармоничное сочетание оттенков и светотеней. Соблюдение композиционных правил и законов является одним из главных секретов целостной и завершенной картины, в которой все элементы взаимосвязаны и подчинены единой идее. Но прежде, чем рассказать о правилах создания композиции, небольшой экскурс в историю.

История композиции

Понятие «композиция» вошло в терминологию изобразительного искусства в эпоху Возрождения (Ренессанса), когда художники при создании произведений начали использовать знания перспективы, геометрии и анатомии. Старые мастера вне зависимости от того, в каком жанре работали, старались выразить и донести до зрителя свою идею за счет целостности рисунка, единства сюжета и колорита.

Для ренессанса характерны трехмерность, глубина пространства, трехъярусное расположение пейзажа, принципы ритмичности, чередования горизонталей и вертикалей. В работах художников периода раннего Возрождения можно увидеть приемы противопоставления персонажей на основе контраста (например, «Поцелуй Иуды» Джотто). Огромную роль в формирование композиционных законов внес Леонардо да Винчи, введя в практику понятия линейной и воздушной перспективы. В этот период художники впервые стали передавать статику и динамику, размещать ближние и дальние объекты так, как их воспринимает человеческий глаз.

В картинах художников, работавших в эпоху Барокко, появляется еще больше динамизма, для персонажей характерно сложное движение, из-за которого композиция теряет «устойчивость». Барочная живопись изобилует темными цветами, а освещенные предметы не имеют строгих очертаний, как в ренессансе. Для построения композиционных структур используются приемы восходящей и нисходящей диагонали, движение по спирали и усложненные ракурсы, в частности, перевернутые фигуры и нарочито большие по отношению к размеру холста фигуры.

Структурная основа художественных произведений классицизма характеризуется простотой и сдержанностью цветовой гаммы. На все виды искусства того времени, в том числе и на композиционные построения в живописи, большое влияние оказывает театр. Принцип организации художественного произведения в классицизме напоминает макет сцены, когда главные герои располагаются на втором плане, а первый и дальний виды служат для отображения второстепенных объектов. Распространенными композиционными построениями являются «треугольник», «квадрат» и «прямоугольник».

В эпоху Романтизма и Реализма по композиции создаются учебные пособия, она вводится в образовательную программу как отдельная дисциплина. Ориентируясь на суммарный опыт прошлых периодов, художники уделяют большое внимание принципам и приемам: обобщения, «осевых линий», уравновешивания тонов и пятен, характера формата. В эпоху романтизма и реализма при создании художественных произведений применяются законы начертательной геометрии и теории теней.

Приход импрессионизма, модернизма и авангардизма приводит к утрате композиционной целостности. Художники оставляют за собой право экспериментировать и писать картины на основе теории цвета, собственного видения мира и формальных композиционных решений. На смену классическо-академической композиции приходят абстрактные композиционные структуры.

Правила построения композиции

Существует 2 вида композиционных структур – статичная и динамичная. Первая передает ощущение равновесия, покоя и умиротворенности, вторая показывает движение, включая эмоции и стихии.

Принцип создания статики и динамики основывается на отклонении угла объекта от вертикали и горизонтали. Чем больше в предметах вертикальных и горизонталей линий, тем статичней композиция, и наоборот. Статика и динамика проявляется также в симметричном и ассиметричном расположении объектов по отношению друг к другу.

Что такое композиционный центр и как его выделять

Одной из основных задач художника является определение композиционного центра – главного объекта произведения, на который должен быть устремлен взор наблюдателя. Существует несколько способов, позволяющих строить композицию таким образом, чтобы зритель в первую очередь обратил внимание на ту или иную часть картины:

Главный объект произведения чаще всего изображается самым большим, потому что крупные элементы привлекают внимание сразу, и только потом зритель переходит к рассмотрению мелких. Исключением являются изображения, где все предметы большие и лишь маленький. Он обычно расположен на переднем плане и играет роль своеобразного «крючка», заставляющего зрительно обращаться к нему снова и снова.

Используя многоплановость, художник может создать глубину пространства, выдвинув композиционный центр на передний план, а другие объекты разместить на заднем или наоборот. При этом следует учитывать, что главный элемент должен быть единственным в пространственной плоскости. Для обозначения композиционного центра также используют метод направляющих, в качестве которых выступают объекты картины. Достигается это различными способами, например указанием динамики движения вспомогательных предметов к основному или обращение взоров второстепенных персонажей к главному.

Контрастный композиционный центр в свою очередь базируется на разнице между темным и светлым тонами. Другими словами, главный объект композиции должен быть либо сильно темнее, либо значительно светлее второстепенных. При использовании этого приема следует учитывать, что темная заливка визуально уменьшает, а светлая – увеличивает предмет. А в этом видео на примере ведения работы по технологии оптических просветов показано, к чему может привести нарушение правил построения композиции. Что получается, когда композиционный центр «проваливается» и хаотически перемешивается с второстепенными объектами.

Правила построения композиции

Теперь, когда вы знаете, как создается статика и динамика, и какими способами можно привлечь внимание к главному объекту картины, можно поговорить о правилах гармоничной композиции.

Правило «золотого сечения»

«Золотое сечение» – это разновидность геометрической пропорции, когда отношение целого к большей части равняется отношению большей части к меньшей в соотношении 0,618 к 0,382 или 62% и 38%. Существует 2 способа построения структуры будущей композиции – спиралевидный (логарифмический) и диагональный.

Логарифмическое «золотое сечение» получило такое название из-за последовательности «вложенных» друг в друга прямоугольников, стороны которых относятся друг к другу как 0,618 к 0,382. Для создания композиции строить прямоугольники не обязательно, достаточно карандашом прорисовать спираль, на которой будут располагаться объекты по убыванию размеров – в начале спирали самые большие, в конце – самые маленькие.

Диагональное «золотое сечение» чаще всего используется для размещения разнотипных объектов. Для создания композиционной оболочки необходимо нарисовать прямоугольник и провести диагональ. Затем к диагонали из вершины геометрической фигуры прочертить перпендикуляр, разбивающий ее на отрезки в соотношении 62% и 38%. Получатся 3 треугольника разных размеров, в которых будут располагаться значимые объекты будущей композиции.

Правило третей

Является упрощенной версией «золотого сечения» и заключается в разбиении плоскости на 9 равных прямоугольников. Если в композиционный центр входит один объект, то его (объект) следует расположить в центральном прямоугольнике ближе к одной из вертикальных сторон. Если значимых элементов несколько, они размещаются в вершинах прямоугольников, а линия горизонта обычно располагается на одной из горизонтальных линий. Правило третей подходит как для создания симметричной, так и ассиметричной композиции.

Как правильно строить композицию и вести работу «от пятна». Почему следует отказаться от штриховки в рисунке и каким образом создается воздушная перспектива. Как сделать изображение объемным и добиться тонкой игры полутонов. При каких условиях гармоничные оттенки рождались сами собой, и за счет чего в картине возникает внутреннее свечение. Эти и многие другие нюансы технологии оптических просветов, основанной на технике Старых мастеров, вы узнаете из книги, скачать которую можно по этой ссылке.

Источник