с чего начать смотреть артхаус
Знакомство с миром арт-хауса
Наверняка вы слышали такое слово арт-хаус. Может быть даже смотрели какое-то артхаусное или авторское кино. И, быть может, оно вам показалось скучным или непонятным? Давайте начнем знакомиться с хорошим кинематографом вместе.
Я не буду тут долго и нудно расписывать значение терминов и делить фильмы на интеллектуальные и попсовые. Достаточно только указать, что фильмы, о которых дальше пойдет речь, изначально рассчитаны не на широкую аудиторию. В этой же статье я опишу 7 фильмов, с которых лучше всего начать знакомство с миром арт-хауса и авторского кино.
Догвилль от режиссера Ларса фон Триера
Фильм 2003 года с Николь Кидман в главной роли. Напоминает театральную постановку, так как в нем практически отсутствуют декорации.
«Есть на свете город, без которого мир станет лучше».
Господин Никто. 2009 год. Режиссер Жако ван Дормель
Вечное сияние чистого разума. 2004 год. Режиссер Мишель Гондри
История любви Джоэля (Джим Керри) и Клементины (Кейт Уинслет). Их отношения не сложились, поэтому они решили обратиться в компанию, которая занимается стиранием воспоминаний. Зачем себя мучить, когда можно все забыть? Но сможет ли машина уничтожить все? Ведь:
Ида. 2013 год. Режиссер Павел Павликовский
«Поехали с нами! Послушаешь, как мы играем, походим по пляжу.
— А потом мы купим собаку. Сыграем свадьбу. У нас будут дети, купим дом.
— А потом будут трудности».
Магия лунного света. 2014 год. Режиссер Вуди Аллен
Известный иллюзионист Стэнли Кроуфорд (Колин Ферт) приезжает на побережье по просьбе своего друга для того, чтобы вывести на чистую воду молодую шарлатанку, которая якобы умеет вызывать духов мертвых (Эмма Стоун). Колин Ферт настолько вжился в роль циничного, рационального и остроумного Стэнли, что даже хочется ему стоя аплодировать.Фильм пропитан романтичной атмосферой и тонким юмором Вуди Аллена. На нашем сайте есть обзор фильма Магия Лунного света.
«- Она ждала нужного момента. И сейчас все планеты находятся на одной линии.
— На одной линии с чем? С вашим позвоночником?».
Враг. 2013 год. Режиссер Дени Вильнёв
Фильм снят по мотивам книги Жозе Сараманго «Двойник». На нашем сайте есть обзор и этого фильма. Находится он здесь.
«- Зачем ты ушла? Это опасно.
— У него твой голос. Он выглядит точно также, как ты!».
Пианистка. 2001 год. Режиссер Михаэль Ханеке
Как понимать артхаус. Ответ в шести карточках
Отвечаем на самые «стыдные» вопросы о том, что такое артхаусное кино, почему его скучно смотреть и на каких фильмах можно потренироваться.
Я часто слышу термин «артхаус», но никак не могу уловить, что он значит. Это стыдно?
Нет. Строгого научного определения «артхауса» вообще не существует, а границы термина максимально размыты. Так, например, артхаусом часто называют фильмы, рассчитанные не на широкую аудиторию. В этом случае используется, пожалуй, самое расхожее толкование — «не для всех». Но под этот критерий собирают и фестивальное кино, и экспериментальные картины, и вообще каждый иностранный фильм не на английском языке. Кто-то еще включит в список артхаусного все малобюджетное кино в мире. Но определенности от этого не добавится.
Ок. А откуда взялось это понятие?
Все началось в 1940-е гг. в США. Артхаусом тогда называли кинотеатры, репертуар которых состоял из всего того, что нельзя было увидеть в обычных кинотеатрах: это и классические довоенные голливудские ленты, и радикальныхе киноэксперименты, а еще фильмы иностранного (не американского) и местного независимого производства. Главный критерий отбора — непривычность, редкость фильма. В основном это достигалось за счет простого метода — отказа в историческом контексте: репертуар артхауса должен был сравниваться только с текущим кинопроцессом. И тогда какой-нибудь вырванный из контекста Первой мировой войны «Кабинет доктора Калигари» (1920), оставшийся ожидаемо далеким и непонятным для зрителей 60-х гг., позволял этим зрителям списать его непонятность (то есть ту самую «непривычность») на присутствие ценного художественного качества.
Допустим. А как все это связано с современностью?
В двух словах: артхаусы исчезли, а слово, обозначавшее их репертуар — «арт-кино», осталось. Вся эта история с артхаусами сформировала новый способ восприятия кино: современного или ушедших эпох — неважно. Отныне непонятность отдельных моментов фильма становится сигналом не для судорожного поиска контекста (в каких социально-политических условиях фильм был создан), а для поиска особой художественности. В конце концов, искусство кино или нет?
Ну ладно. Про высокохудожественность, наверное, ясно. Но дайте что ли хоть какие-то критерии арт-фильма?
Американский киновед Дэвид Бордуэлл говорит, что основной признак любого арт-фильма — это его непохожесть на классическое голливудское кино. Если сюжет в голливудских фильмах всегда действует по формуле «причина — следствие» или «проблема — решение», то арт-фильм отличается большими пробелами в сюжете, где далеко не на каждое «почему?» дается ответ. Для артхауса более характерно приближение к фиксации потока существования. Отсюда и скука, которую часто вызывают такие фильмы.Вспомним для примера картину И. Бергмана «Земляничная поляна» (1957). Вместо того, чтобы четко обозначить источник экзистенциального кризиса главного героя, автор предлагает зрителю лишь серию неопределенных воспоминаний и сновидений. В противовес такому нелинейному повествованию арт-фильма, где герой пассивно скользит от одной ситуации к другой, персонаж голливудского фильма всегда мчится по прямой к разрешению главного конфликта ленты.
Ага, то есть нужно просто понять, голливудский передо мной фильм или нет? Звучит легко.
Нет, и тут не все просто. Уже в рамках деления на голливудские и артхаусные фильмы возникает такое гибридное понятия, как, например, голливудский артхаус (или еще его называют «артстримом» — от слова «мейнстрим»). Эти фильмы стоят одной ногой в мире авторского кино, а с другой стороны — это такие большие проекты с голливудским бюджетом и серьезными сборами. Попробуйте доказать, что «Криминальное чтиво» (1994) К. Тарантино — это однозначно артхаус или не артхаус!
Ладно. Вы там про скуку говорили. На днях я посмотрел артхаус и мне не понравилось. Что делать?
Во-первых, запомните, что арт-фильм можно отличить от всех других еще и по роли зрителя. Артхаус требует активного просмотра, а тот же голливудский блокбастер поощряет пассивную аудиторию. Проще говоря, артхаус всегда спрашивает зрителя, что тот думает, а не говорит ему, что думать.Во-вторых, вспомните про артхаусы 1940-х гг. Если изначально главная особенность арт-фильма в отсутствии какого-либо конкретного контекста, значит у просмотренного вами артхауса есть возможность быть вписанным в любой контекст, интересный вам. Поиграйте со смыслами, подставьте на место, которое осталось необъясненным, ту или иную жизненную ситуацию, искусствоведческую проблему или даже философскую теорию.
А на чем я могу потренироваться?
Попробуйте посмотреть фильмы Карла Теодора Дрейера, Ингмара Бергмана или, например, Апичатпонга Вирасетакула — с ними не прогадаете. Если же вспомните, что артхаус может быть не только определенным видом фильма, но еще и способом просмотра кино, то тренируйтесь на всем подряд.
Кино не для всех: 10 артхаусных фильмов, которые потребуют от вас полной самоотдачи
Такое кино смотреть непросто: вас все время провоцируют, заставляют вглядываться в героев, сложно шутят, непонятно выражаются, так что приходится ломать голову, к чему это все показано. Зато эти фильмы невозможно спутать ни с чем — у них свое особенное выражение лица, и оно стоит того, чтобы потратить не только время, но и умственные усилия.
The Green Knight, 2020
Несмотря на лихой зачин, история разворачивается очень неторопливо и медитативно, она требует размышления и собственных интерпретаций. Если вы, как и автор картины любите фильмы в духе Тарковского, вам как минимум будет интересно.
The Lighthouse, 2019
Мрачный, экспрессивный черно-белый хоррор, в котором с одной стороны ничего не происходит, а с другой — обстановка накалена до предела.
На остров, где единственные живые существа — это крикливые чайки, приезжают два смотрителя для работы на маяке. Старый сваливает всю тяжелую работу на молодого, гоняет его, оскорбляет, газлайтит и не подпускает к собственно маяку. Молодой покорно трудится и слушает брань, стиснув зубы, — он хочет заработать денег, чтобы построить дом.
Greener Grass, 2019
Абсурдная комедия о двух домохозяйках из пригорода, которые живут в состоянии дружбы-вражды. В их жизни царит полнейшее безумие: одна из них решает подарить маленькую дочку подруге, а потом ее сын превращается в собаку. Все вокруг носят брекеты на идеальных зубах, потому что это — стремление к совершенству. В их жизни все должно быть безупречно, лучше, чем у соседей, поэтому главная головная боль — дети, которые не могут соответствовать высоким требованиям своих мам и пап.
The Man Who Killed Don Quixote, 2018
Смешное и в то же время пронзительно грустное кино о бегстве в мир фантазий и о сути искусства.
Старый сапожник, который когда-то давно играл в кино Рыцаря печального образа, теперь спятил и решил, что он и впрямь самый настоящий Дон Кихот, а его бывший режиссер Тоби — это Санчо Панса. Вместе они отправляются в очень странное фантасмагоричное путешествие на поиски подвигов и самих себя.
Робкая женщина Тамара выходит из дома, чтобы вынести мусор, и встречает незнакомца с бутылкой вина. Тому хочется с кем-нибудь поговорить, и он напрашивается в гости. Бедная Тамара работает швеей на дому, страдает от недостатка общения и совсем не против поболтать.
Удушливая, тесная трагикомедия о человеке, отказавшемся от собственной личности, потому что так неудобно, но спокойно.
A Teströl és Lélekröl, 2017
Мария — печальная женщина с легким психическим расстройством, Эндре — не особо привлекательный мужчина с парализованной рукой. У них очень мало общего, практически нет повода быть вместе, но они оба работают на скотобойне, и им снятся общие сны.
Тонкая, нежная картина о любви балансирует на грани между сном и явью, показывает и ужасное, и прекрасное, утверждая при этом, что прекрасное реальнее.
Swiss Army Man, 2016
Комедия абсолютно безумна и требует от зрителя полной самоотдачи, приятно поужинать под нее не получится. Зато Пол Дано и Дэниэл Рэдклифф просто великолепны.
What We Do in the Shadows, 2014
История о трех соседях по квартире, которые друг друга порядком достали. Дело в том, что они — бессмертные вампиры и живут уже очень давно. А мир вокруг, между прочим, меняется — все сложнее оставаться в тени, все сложнее ориентироваться в новых правилах.
Чтобы сделать эту псевдодокументальную комедию, Тайка Вайтити и его команда отсняли 120 часов видеоматериала, причем большая часть его была импровизацией актеров, вжившихся в свои роли. Не пугайтесь, сам фильм гораздо короче.
Перед просмотром этого фильма можете не заморачиваться приготовлением попкорна или других вкусняшек. Есть вам не захочется еще долго. Но, как говорится, искусство требует жертв.
В этой реальности люди настолько обожают звезд и все, связанное с ними, что готовы даже подсаживать себе их болезни. И нет, не звездную болезнь, а банальные герпес или грипп, лишь бы прежде этот конкретный вирус был добыт из обожаемого организма знаменитости. Сид Марч работает в клинике, которая предоставляет эту экзотическую услугу, а в свободное время перепродает продукцию своей фирмы на черном рынке. Чтобы вынести вирус из больницы, не попавшись на пункте досмотра, Сид должен вколоть его себе, а дома в своей мини-лаборатории выделить образец из своей крови. Промахи неизбежны в любом деле, а в этом ошибка может стать смертельной.
Князь Мышкин возвращается на родину после многолетнего лечения в сумасшедшем доме в Швейцарии. Здесь он знакомится с новым русским Парфеном Рогожиным, узнает о несчастной красавице Настасье Филипповне и заранее влюбляется в нее.
Эта меланхолическая комедия — вольное переложение романа Достоевского «Идиот» на современный началу двухтысячных лад. Безумно, местами абсурдно и очень смешно.
Артхаус для чайников: как смотреть и понимать «не такое» кино
Массовый зритель незаслуженно обходит артхаус стороной, хотя даже средний артхаусный фильм принесет больше пользы, чем какая-то попкорновая банальщина: хотя бы даст пищу для размышлений. В преддверии 6-го Одесского международного кинофестиваля, где будет полно «кино с претензией», Роксана Рублевская рассказывает, как правильно смотреть артхаус, чтобы стать его поклонником и, наконец-то, понять, за что какому-то странному фильму дали кучу престижных наград.
Случается так: зовут смотреть кино «не для всех», а вам вдруг вспоминается 90 минут «каторги» с длинными планами рисовых полей и шизофреническими монологами актеров-дебютантов. И вместо готовности подискутировать после просмотра, вы многозначительно молчите или нехотя киваете головой. Но достаточно разделить фильм всего на 4 составляющих и можно навсегда забыть о подобных сложностях.
Интеллектуальное кино (условно — артхаус) — особенная категория в кинематографе, ориентированная на думающую аудиторию. Целью такой элитарности есть попытка сохранить кино, как искусство, продемонстрировать индивидуальность режиссера, часто пренебрегая кассовыми сборами и вкусами публики. Нередко обладатели фестивальных абонементов обвиняют мэтров в «халтуре», уверяя окружающих, что намедни сняли своего приятеля ничуть не хуже, чем Фассбиндер «Керель». Чтобы не ставить себя в неловкое положение, надо заранее подумать о следующем.
Самый простой способ понять артхаусную картину — узнать максимум о личности ее создателя. Неважно, собираетесь ли вы в кинотеатр по близости или на Каннский фестиваль, необходимо найти время и поинтересоваться автором предстоящей премьеры. Художественный стиль любого именитого режиссера всегда узнаваем. Использование одних и тех же приемов, а иногда тем, проблематик и даже актеров, формируют неповторимый почерк, который совсем скоро вы начнете отличать от всех прочих.
Героями артхауса становятся неуживчивые, замкнутые, чудаки, находящиеся в поиске своего места в жизни, не умеющие и не желающие взаимодействовать с окружающим миром. Характеры и поведение протагонистов часто не соответствуют морально-этическим нормам и могут вызывать у зрителя весь спектр негативных чувств. Целью создания таких персонажей является желание режиссера показать несовершенство и неоднозначность человеческой натуры, уделить внимание маргиналам, которых тяжело увидеть в жизни или на экране, и отойти от голливудского идеала «сверхчеловека». Потому не стоит ожидать в главных ролях, например, Дженнифер Энистон и Джейсона Стэйтема. Здесь не нужны типажи завоевателей «межгалактических пространств», автор пытается сохранить чистоту Вашего восприятия путем использования преимущественно малоизвестных актеров.
Если для популярного жанрового кино характерна внешняя борьба героя с чем-либо, то в артхаусе, как правило, мы углубляемся во внутренние переживания. Зачастую тут не идет речи о нравственном выборе, герой не стремится быть «впереди планеты всей», скорее его устраивает место в тени, где он вполне доволен своей отчужденностью. Наиболее характерными темами являются: критика эпохи потребления; разложение и деградация современного общества; душевные драмы; одиночество, экзистенциальный кризис; страх смерти и неприспособленность к жизни и прочие темы, о которых думать обычно не хочется.
Не стоит удивляться, если первых 10 минут фильма вы видите качающуюся на ветру ветку яблони, или камера фиксирует медленный проход вдоль длинного забора с колючей проволокой. Будьте уверены, что все так и задумано. Для артхауса съемка — не способ развлечь зрителя и даже не попытка иллюстрировать сюжет. Задача — погрузить публику в ощущения героев, какими бы неприятными они ни были, научить Вас читать между строк. Персонажи могут оказаться в чудовищном маргинальном быту: необжитые квартиры с облезлыми стенами, старая мебель, а то и ее полное отсутствие. Внешняя среда призвана отражать внутренние состояния и дополнять экранный образ.
Чем авторское кино отличается от зрительского
Как снимали фильм «Идеальное поведение»
Как получить прокатное удостоверение на игровой фильм
Топ 5 авторских короткометражных фильмов на 31-м Кинотавре
Как снимали фильм «Открой, это мама»
Румынская новая волна: Кристи Пую и Кристиан Мунджу
Берлинская новая волна: Ангела Шанелек и Ульрих Кёлер
Что делает художник-постановщик и его команда
Немного истории
Официально годом рождения кино принято считать 1895 год, а первым фильмом — «Выход рабочих с фабрики Люмьер». Изобретатели кино («синематограф» — аппарат для записи и воспроизведения движущегося изображения) братья Огюст и Луи Люмьер проводят первый публичный коммерческий кинопоказ 28 декабря 1895 года на бульваре Капуцинок в Париже, Франция.
Вначале кино существует как документальное. Люмьеры снимают знаменитый фильм «Прибытие поезда на вокзал Ла-Сьота» и разнообразные сцены из жизни: ловлю рыбы, жонглера, обед. Такая деятельность приносит братьям большой доход, так как у простых французов впервые появляется возможность увидеть весь мир, например, посмотреть, как живут люди в Японии. Операторы Люмьеров ездят снимать фильмы по всему миру по четким инструкциям братьев, которые тем временем открывают первую в мире сеть кинотеатров.
Немного позже появляется Жорж Мельес, основавший первую киностудию, где он разработал технологии создания спецэффектов и снял первый фантастический фильм и первый фильм ужасов. Мельесовский кинематограф принято считать родоначальником игрового кино.
В 2016 году Тьерри Фремо, директор Каннского фестиваля (одного из самых влиятельных кинофестивалей мира), выпускает документальный фильм «Люмьеры!», в котором разрушает этот стереотип, показывая, что множество работ братьев Люмьер также были постановочными. В фильме говорится о том, что Люмьеры изобрели такие жанры, как кинокомедия, триллер и вестерн.
Все эти фильмы скорее можно отнести к зрительскому кино, хотя в те годы такого разделения еще просто не существовало. Первый режиссер, от которого историю кино принято отсчитывать как историю искусства, — Дэвид Гриффит.
Он начинает работать с киноязыком, изобретает крупный план, схему «кадр — план — сцена —эпизод», пытается разобраться с тем, как воспринимается время на общем плане и на крупном. Именно он начинает воспринимать монтаж как элемент творчества, вводит понятие «параллельный монтаж» (когда действие происходит в нескольких местах одновременно). Гриффит — американец, и его творчество способствует развитию голливудского кинематографа.
Первые 50–60 лет работа в кинематографе — это работа над разработкой киноязыка, и большое влияние на развитие киноязыка в мире оказывают русские кинематографисты Сергей Эйзенштейн, Дзига Вертов, Лев Кулешов.
На заре кинематографа разделения на зрительское и авторское кино как такового нет. Изначально эта техническая новинка воспринимается исключительно как источник дохода, а самые громкие имена – это имена людей, которые развивают киноязык. Киножанры только изобретаются.
Параллельно развитию голливудского кинематографа в 1920-х во Франции возникает направление «киноавангард», выступающее в противовес коммерческому кинематографу. Это несмотря на последствия Первой мировой войны с 1914 по 1918 год, во время которой кинопроизводство во многих странах Европы прекратилось, а в 1920-х годах к тому же закрылась крупнейшая европейская киностудия — французская Киностудия братьев Патэ. Создатели киноавангарда используют новаторские экспериментальные средства выражения и также развивают киноязык. Это такие крупные режиссеры, как Марсель Л’Эрбье и Жан Эпштейн. Эпштейн является одним из первых теоретиков кино.
В 1927 году выходит первый звуковой фильм «Певец джаза» американского режиссера Алана Кросленда (до этого «Уорнер бразерс» выпускала несколько звуковых фильмов, состоящих в основном из музыкальных номеров, но успеха у зрителя они не имели).
Появление звука в кино как дало новые возможности, так и наложило свои ограничения. На этом фоне отмечается большая потеря достижений кинематографа 1920-х годов, художественные приемы, выразительные средства сокращаются, прежде всего монтажные. Меняется длина кадра, появляется тенденция к театрализованному кино, появляется множество примеров «диалогового кино» — содержание таких фильмов ограничивается диалогами.
В период, когда европейский кинематограф только пытается оправиться после войны, в 1930-е, в США власть над кино достается кинокомпаниям-империям, которые не заинтересованы в художественной ценности картин. Развивается продюсерское кино, где у режиссера практически не остается прав на какие-либо решения, его работа теперь заключается в работе с актером и в создании мизансцен без участия в монтаже. Производится множество фильмов, снятых по уже отработанным схемам (за образец берутся фильмы, которые уже принесли наибольший доход). Иногда фильмы делаются коллективно несколькими режиссерами, и им удается создать художественно ценное произведение.
Также за счет того, что в Европе власть над кино не сосредоточена в руках конкретных людей, как в США, ввиду отсутствия средств фильмы выпускаются небольшими кинокомпаниями, которые быстро разоряются, но не могут лишить авторов самовыражения. Появляются такие крупные мастера, как Жан Виго, Жан Ренуар.
В 1930-е в России государственной поддержкой пользуются комедии. Авторский фильм удается снять Абраму Роому (кинокартина футуристического будущего «Строгий юноша»), однако ее запрещают к показу из-за «грубейшего отклонения от стиля социалистического реализма».
Вторая мировая война также оказывает огромное влияние на кинематограф. Во время войны он становится средством для съемки хроник и пропаганды, все режиссеры игрового кино переквалифицируются в режиссеров кино документального.
После войны игровое кино становится более реалистичным, наиболее яркое его развитие происходит в Италии, где изобретается неореализм — кино, которое берет свои сюжеты из газетных сводок, которое показывает драмы реальных людей. В качестве актеров часто используются непрофессионалы. Камера показывает реальный мир улиц. Великолепным образчиком неореализма может служить фильм 1948 года «Похитители велосипедов», режиссер Витторио Де Сика. Именно из такого кино и происходит новый виток кино как искусства.
Война снова не затрагивает существенным образом экономику США, снимаются коммерческие фильмы, а внутри киностудий возникает новый жанр — нуар. Нуар отличается атмосферой пессимизма, разочарования, цинизма. Это смесь детектива, криминального романа и немецкого экспрессионизма. Яркие представители — Орсон Уэллс, Джон Хьюстон, Фриц Ланг, Альфред Хичкок.
В 1950-х на кинематограф влияет постепенная экономическая стабилизация после войны и удешевление кинопроизводства, что приводит к увеличению авторской свободы и развитию кино. Это развитие уже не является нахождением аспектов языка, которые влияют на весь кинематограф, как в период немого кино, оно происходит благодаря отдельным находкам конкретных авторов. Появляются такие мастера, как Микеланджело Антониони, Франсуа Трюффо, Жан-Люк Годар. В российском кинематографе вторая половина 1950-х становится периодом «оттепели», снимается фильм «Летят журавли» Михаила Калатозова, который получает победу на Каннском кинофестивале.
Зрительское кино
Мы упоминали, что во времена Дэвида Гриффита повелось разделять кинематограф на авторское и коммерческое, то есть зрительское, кино. Это разделение существует и в наши дни.
Зрительское кино — фильмы, ориентированные прежде всего на массового зрителя, так называемые блокбастеры — высокобюджетные картины, получившие широкую популярность среди зрителей. Здесь проявляется особая роль кинематографа, заключающаяся в его высокой социальной активности. Это кино про истории и переживания. Зритель легко может самоотождествиться с героем, начать сопереживать ему и прожить его историю вместе с ним. Продюсерам и кинокомпаниям такое кино необходимо для получения прибыли, зрителю — для отдыха и развлечения.
Яркими представителями зрительского кино являются Гор Вербински («Пираты карибского моря», «Лекарство от здоровья»), Джеймс Кэмерон («Титаник», «Аватар»), Кэтрин Бигелоу («На гребне волны»), Тимур Бекмамбетов (трилогия «Ночной дозор», «Елки»), Оксана Бычкова («Питер FM»).
В процессе становления кинематографа развивалась система жанров, сюжетных построений, тем, персонажей. Сейчас существует огромное количество киножанров, у них сложные взаимосвязи, но отсутствует единая, общепринятая система классификации. Кинематограф развивается очень быстро — и вместе с этим происходит постоянная эволюция жанров, на развитие которых сильно влияют события, происходящие в мире, специфика конкретного времени. Как пример, описанный выше, — о том, что после Второй мировой войны появился запрос на драмы простых людей (неореализм). Основные жанры сформировались вместе с развитием кинематографа, к 1950-м годам. Каждый фильм можно отнести к нескольким жанрам, при этом существует основной и его поджанры.
На уроках сценарного мастерства чаще всего выделяют четыре жанра для построения драматургии будущего фильма: комедия, трагедия, драма, трагикомедия. Все остальные считаются дополнительными. По законам жанра строится сценарий и зрительского, и авторского фильма. Система классификации кинопроизведений постоянно усложняется, в авторском кино происходит размытие жанровых границ: схемы, которые использует жанр, ослабляются (убираются некоторые элементы).
Ниже приведен график изменения популярности различных жанров с 1910 по 2018 год. Для составления рейтинга популярности использовались данные о выходе фильмов с метками определенных жанров на сайте IMDB.
Авторское кино
Авторское кино — это некоммерческие фильмы, снятые небольшими киностудиями с иной целью, нежели зарабатывание денег. Такое кино, как правило, противопоставляется зрительскому. Авторское кино не ставит своей задачей потакать интересам зрителя. Оно выражает антропоцентрическую точку зрения на мир, то есть очень определенное и конкретное видение одного конкретного человека, автора, режиссера. Режиссер в таком кино — самый настоящий демиург.
Авторское кино – кинематограф поиска и обретения смысла, возможность делать то, что хочешь, средство для выражения себя, высказывания своих мыслей. Это психологическое исследование души отдельной личности.
Роберт Брессон, один из режиссеров авторского кинематографа, говорил: «Киноаппарат — поразительно точный инструмент для раскрытия сути вещей, сути людей: ваши глаза не дают вам возможность все это увидеть. Кино — это средство для совершения открытий. Фильм — путешествие в неизвестность. Тут не может быть ошибки. С популярными актерами и актрисами вы неизменно движетесь в сторону чего-то знакомого. Вам заранее известна их реакция в тот или другой момент, и это никак не способствует раскрытию человеческой личности».
Смотреть авторское кино — это как читать сложную литературу, работает тот же механизм восприятия. Например, так называемое медленное кино (медленный ритм фильма, длинные кадры, средняя скорость кадра начинается от 35 секунд) сложно для восприятия человека, который привык смотреть голливудские монтажные ленты (как правило, средняя длина кадра в зависимости от жанра варьируется от 2 до 10 секунд). Мало кто полностью прочитал «Войну и мир» Толстого, и столь же малое количество зрителей готовы смотреть авторское кино.
Выдающиеся представители авторского кино — Микеланджело Антониони («Красная пустыня», «Приключение»), Жан-Люк Годар («На последнем дыхании», «Жить своей жизнью»), Ларс фон Триер («Антихрист», «Догвилль»), Карлос Рейгадас («После мрака свет», «Наше время»), Михаил Калатозов («Летят журавли», «Я — Куба»), Кира Муратова («Долгие проводы», «Астенический синдром»), Алексей Балабанов («Груз 200», «Счастливые дни»).
В 1999 году на Каннском кинофестивале получает награду фильм, давший начало новой волне в авторском кинематографе, которая до сих не сменилась другим течением, — это «Розетта» братьев Дарденн.
Это реалистичное кино, в котором героиней становится девушка из неблагополучной семьи (ее мать — алкоголичка), а главный конфликт — что девушке обязательно нужно найти новую работу. Ручная беспокойная камера ни на секунду не оставляет Розетту, она бежит вслед за героиней, как в документальном кино, боясь упустить ее из виду. Авторское кино последних уже двадцати лет (после Розетты) придерживается постдокументальной эстетики, то есть игровое кино подражает документальному и часто балансирует на стыке с ним. Также к тенденциям последних двадцати лет относится медленное кино таких режиссеров, как Педро Кошта, Апичатпонг Вирасетакул или Лав Диас.
Одним из поджанров авторского кино является артхаус. У термина «артхаус» (англ. art house, букв. «дом искусств») есть историческое происхождение. В 1940-х годах в США стали появляться отдельные дома-кинотеатры, где показывали классическое кино. Особенно популярны эти дома стали после окончания Второй мировой войны, и именно в 1950-х они получили наиболее широкое распространение. В артхаусах показывали большое количество независимого неголливудского кино. Эти кинотеатры воспринимались как места культурного отдыха для интеллектуального и образованного зрителя.
Позднее термин начали связывать с кино, не рассчитанным на широкую публику, часто — с независимым кинематографом (кино с минимальным бюджетом, найденным для съемок).
Артхаус — это кино, в котором нет автора, а персонаж главнее автора. Например, фильм Кристиана Мунджиу «Четыре месяца, три недели, два дня» можно считать артхаусом.
Исторически сложилось, что авторское кино развивает язык кинематографа, является адептом нового видения, а зрительское кино перенимает отработанные авторским приемы и наблюдения. В последние годы на зрительские сериалы начали приглашать режиссеров из артхаусного кино, например, на сериал «Большая маленькая ложь» пригласили режиссера Андреа Арнольд, обладательницу нескольких призов Каннского кинофестиваля. Это связано с тем, что широкая публика, устав от штампов, становится все более и более подготовленной к усложненной форме киноповествования. Еще десять лет назад у человека не было такой, как сегодня, возможности смотреть кино дома, а теперь даже Интернет на телефоне позволяет прогрузить полуторачасовой фильм, и насмотренность зрителя растет день ото дня.
В Голливуде также нарушаются жанровые границы и усложняется форма произведения, заимствуются приемы и выразительные средства из авторского кино. Например, нашумевший «Джокер» Тодда Филлипса взял приз на Веницианском кинофестивале — в этом фильме грань между зрительским и авторским кинематографом становится тоньше. Тодд Филлипс работает с ослабленной драматургической схемой, как принято в авторском кино, старается сделать свой фильм более психологичным, пытаясь разобраться во внутреннем конфликте своего героя, и не делает типичный для фильма, снятого по комиксам, хеппи-энд.
Таким образом, зрительское кино создаёт популярность среди массового зрителя и подпитывает индустрию деньгами, а авторское нащупывает пути развития через творческий поиск, который часто бывает безуспешным и убыточным, но у которого есть шанс стать шедевром искусства.