с чего начать слушать классическую музыку чтобы научиться ее понимать

Разбираемся в классической музыке: как начать ее слушать и даже полюбить

Постоянные посетители концертов в Мемориальном доме-музее А.Н. Скрябина хорошо знают коллектив «Школа / Škola crew». Артисты всегда предваряют исполнение классики небольшой лекцией, на которой объясняют, как слушать то, что сейчас прозвучит.

Mos.ru начинает публиковать серию материалов, в которых пианистка и участница «Школа / Škola crew» Александра Стефанова помогает разобраться в классике. Первый выпуск посвящен самому сложному — с чего начать свой путь к серьезной музыке.

Нужно ли готовиться к походу на концерт?

— Прежде чем начать слушать классическое произведение, можно обратиться к бэкграунду — узнать, на фоне каких исторических событий была написана эта музыка, что в этот момент происходило в жизни композитора. По моему мнению, так ее будет легче воспринимать. Лучше не ждать, что понимание придет само. Наоборот, это требует определенной подготовки, вложений. Ничего страшного, если сначала сложно отличить музыкальные стили. Это все нарабатывается — было бы желание.

Мы с моими коллегами — музыкантами и художниками из «Школы / Škola crew» — занимаемся таким ликбезом. Перед концертами я даю слушателям базовые знания: рассказываю о композиторе, жанре, истории создания. Но бывает и наоборот, когда слушателю проще сначала познакомиться с произведением, а потом уже узнать все остальное о нем.

Можно ли притвориться, что разбираешься в классике?

— Конечно! Наденьте свой лучший костюм, идите в филармонию, займите свое место, сделайте лицо построже и постарайтесь примерно 120 минут (с перерывом) не выдавать, что вам скучно.

Главное правило — никогда не аплодируйте первым. Аплодируйте, когда все остальные это делают, но ни в коем случае не между частями произведений — это моветон (самое смешное, что никто из сидящих в зале на самом деле не знает, почему нельзя это делать). Так вы точно сойдете за знатока, и никто не заподозрит, что вы чего-то не понимаете.

А если серьезно — зачем притворяться? Просто получайте удовольствие от того, что слушаете.

На концерте интересно, но почему-то клонит в сон. Это плохо?

— Нет. Неподготовленному зрителю действительно очень сложно высидеть весь концерт, сконцентрировавшись исключительно на музыке. Поэтому в команде «Школа/Škola Crew» есть художники, которые к каждому концерту готовят анимированные проекции. Перед этим мы вместе разбираем произведения — изучаем историю их создания, биографии авторов, выделяем смысловые части.

С произведений какого композитора лучше начать?

— Здесь единого рецепта нет. Для того чтобы понять, что вам по душе, нужно послушать произведения разных композиторов. Кто-то лучше воспринимает Моцарта, кто-то — Чайковского, а кто-то — Дебюсси. Одно можно сказать с уверенностью: если вы не начнете слушать музыку, то вы никогда не узнаете, кто вам больше нравится.

Можно попробовать подступиться с другой стороны: начать слушать современных композиторов, с которыми нас разделяют не века, а годы. Но вот мой совет: постарайтесь дослушать произведение до конца.

Что лучше — живой концерт или хорошая запись?

— Разница, конечно, есть, но одно не исключает другого. Если вам комфортнее слушать музыку дома — пожалуйста. Но на концерте больше шансов установить прямой контакт с исполнителем, оказаться с ним на одной волне. Музыка влияет на вас именно в ту самую секунду, именно в то время, когда исполняется. И вы не просто слушатель, а соучастник. Бывает, что во время выступления у исполнителя возникает особое вдохновение, которого не было во время записи.

Источник

Как понять классическую музыку? Советы музыковеда Натальи Гирявенко

Классическая музыка часто кажется сложной для понимания. Даже те, у кого есть интерес, задаются вопросом: как понять классику. Для таких дискуссий в белгородской филармонии проводят лекции-концерты. Их автор — музыковед, заслуженный работник культуры России Наталья Гирявенко. Корреспондент «Фонаря» побеседовал с музыковедом и узнал, с чего начать знакомство с классической музыкой.

Фото белгородской филармонии

Зачем мне это нужно?

— Музыкой вы привносите в свою жизнь ум, красоту, гармонию, подлинные чувства. Даже фоновое прослушивание классики нас меняет. А если вы учитесь музыке, то это влияет ещё больше. Классическая музыка развивает память, музыкант-исполнитель пространственно мыслит, попадая на нужные клавиши, манипулируя абстрактными звуковыми фигурами. Многие выдающиеся ученые учились музыке: Альберт Эйнштейн играл на скрипке. Он даже писал в одном из писем, что если бы не было фуг Баха, то он бы никогда не пришел к формуле, выражающей эквивалентность массы и энергии. 70 процентов профессоров физики и математики Оксфордского университета являются членами музыкального клуба, а руководство компании Microsoft при приёме на работу отдаёт предпочтение сотрудникам с музыкальным образованием.

Классическая музыка, как и классическое искусство в целом, элитарно. Так было и будет всегда. Вы никогда не привлечете к нему 100 процентов населения. И, по-моему, этого делать не надо. Могу ошибаться, но где-то мне попадалась цифра, что только четыре процента людей увлекаются классической музыкой. Поэтому решите, интересно ли это именно вам.

Начинать необходимо с желания. В любом деле так. Вы хотите, например, научиться печь блины. Вам могут сто раз рассказать, как их печь, показать сам процесс, но, пока вы сами не разведете тесто, не выльете его на сковородку, не сможете перевернуть блин — не научитесь.

Как выбрать музыку?

— Способ первый: начать с композиторов, которые более «открыты» к новому слушателю. Это, например, Шопен, Григ, Моцарт, Чайковский. Их музыка просто красива, мелодична, она вас впечатляет сразу же на уровне эмоций. Для первого знакомства с классикой можно прийти на концерт из фортепианных сочинений Фридерика Шопена: вальсов, мазурок, ноктюрнов. «Времена года» Петра Чайковского и другие его фортепианные произведения доступны для восприятия. Они поэтичные и трогательные.

Можно начинать по-другому — с концерта вокальной музыки. Это могут быть арии из опер, романсы. Это музыка с текстом, которая сюжетно развивается. Поэтому новичку легче проследить ход мыслей автора.

Лучше всего начинать слушать классику с программной музыки — той, которая имеет название, литературную программу, сюжет. Например, можно послушать даже такого «сложного» композитора, как Ференц Лист. У его симфонической поэмы «Прелюды» есть программа, которую чаще всего печатают в специальных буклетах или рассказывают перед концертом. Можно и самим поинтересоваться и прочитать ее. Тогда вы все услышите! И мечты «героя» о любви, и как от отдыхает на природе от житейских бурь, и сами эти бури — грозные и воинственные, и как в конце он побеждает. Другие примеры такой музыки: «Картинки с выставки» Модеста Мусоргского или «Времена года» Антонио Вивальди. Программную музыку слушать и воспринимать намного проще, ведь можно следить за сюжетом.

Есть ещё один способ — искать свое, то, что понравится. Вообще хорошо бы сделать так, чтобы звучание классической музыки, которая вам, предположим, уже понравилась, звучала с вами постоянно. Вы побывали на концерте, состоящее из произведений, например, Шопена или Вивальди, после концерта создайте себе плейлист в телефоне, на компьютере и слушайте эту музыку фоном: дома, когда отдыхаете, готовите еду, занимаетесь гимнастикой, едете в машине на работу. Много музыки в 18 веке было написано именно для застолья, прогулок и бытовых дел. Например, Йозеф Гайдн «Музыка на воде» или сюиты Иоганна Себастьяна Баха. Окружите свое личное пространство классической музыкой и постепенно расширяйте круг того, что вам нравится, другими произведениями этих авторов.

Запомните: нельзя любить все жанры, все эпохи. Кому-то нравится звучание рояля, кому-то скрипки, а есть любители хоровой музыки. Начинайте с того, что нравится, и ищите своих исполнителей. Стивен Кинг в мемуарах «Как писать книги» говорил: «Если вы хотите научиться писать книги, вы, в первую очередь, должны их читать». Вывод: чтобы полюбить классическую музыку, надо не бояться ее слушать.

Наталья Горявенко. Фото белгородской филармонии

На что обращать внимание?

— Не надо пугаться того, что ничего не понял в музыке. Если тебе не понравилась месса Баха, то это не значит, что ты недостаточно хорош. Обращайте внимание на детали, старайтесь разобраться. Например, романсы Сергея Рахманинова. Вы слушаете текст, вам всё понятно. Но есть и пианист, который сопровождает пение. У него своя партия, и нередко он «досказывает» то, что уже пропел певец. Вслушайтесь в это!

Вы пришли на концерт из оперных арий Джузеппе Верди, а они звучат на итальянском. Вы не знаете текста, а ария большая, звучит минут пять. Например, ария короля Филиппа из оперы «Дон Карлос». Даже не зная, о чем поет баритон, вы при желании расслышите его скорбные, тяжелые размышления, душевные муки. Тут вы обратите внимание на его прерывающуюся речь, словно он неторопливо о чем-то размышляет, на медленный темп музыки, скорбное выражение лица у певца. Если это произойдет, вы начинаете сочувствовать ему. Вас тронули не слова — их вы не поняли — вас задела музыкальная атмосфера! А потом, конечно, если вам запала в сердце эта музыка, надо поинтересоваться, о чем он пел.

На концерте симфонической музыки перед вами оркестр. Обратите внимание, кто и как играет. Вас может увлечь какой-то исполнитель даже тем, как он извлекает звуки из своего инструмента, как двигается его тело. Обратите внимание на форму произведений. Вот отзвучала тема, началось ее развитие, вот тема вернулась, но в ином качестве, звучании, в новых тембрах. За всем этим можно следить и, одновременно, задавать себе вопрос, зачем эти изменения? На концертах симфонического оркестра, или концертах с солистом, я бы посоветовала брать билеты поближе к сцене — смотрите на музыкантов! Следите за солистом, его руками, как он извлекает звуки из инструмента. Это помогает и увлекает.

Мне всё равно не понятно

— Если в классической музыке что-то непонятно, то надо «копать» глубже. К примеру, Иоганн Бах. Его музыка полна тайнописи! У Баха есть «Токката и фуга ре минор», «Шутка», знаменитые клавирные или скрипичные концерты, которые нравятся всем с первого прослушивания. Но это малая часть баховской музыки, это даже не верхушка айсберга. Остальные его произведения сложнее.

Можно слушать любую из хоральных прелюдий, «Мессу», кантаты эмоционально, просто закрыв глаза и отдавшись потоку музыки. А можно иначе: с дополнительной подготовкой. Чтобы погрузиться глубже в понимание классической музыки, стоит узнавать новые факты о ней из дополнительных источников. Это повышает шансы на успех, более глубокий уровень восприятия классики.

Книги

— В поиске книг о музыке, нужно исходить из своего плейлиста. Вам нравится, к примеру, Шопен. Ищите книги о нем, о его жизни, судьбе, расширяйте свое представление о любимом, или пока понравившемся композиторе. Если вы прочтете книжку польского исследователя Ярослава Ивашкевича о Фридерике Шопене, то вы многое узнаете о нем. Кстати, есть замечательная серия «Жизнь замечательных людей».

Передачи и лекции

— Хорошо рассказывает о классике Артем Варгафтик, музыковед московской филармонии. У него был большой цикл лекций на канале «Культура». Он называется «Партитуры не горят». Ещё мне нравится Михаил Казиник. В интернете есть сотни его фильмов о музыке с привлекательными названиями «Эффект Моцарта», «Эффект Шуберта», «Тайные знаки культуры». Кроме того, у него есть серия книг «Тайны гениев». Все это очень доступно, увлекательно, классно!

Есть различные образовательные сайты: «Магистерия», Education, «Лекторий», группы во «ВКонтакте» по классической музыке, где размещаются лекции, рассказы о музыке и не только. Можете найти также уже переведенные выступления Леонарда Бернстайна, где он рассказывает о музыке. Послушайте лекции Татьяны Черниговской «Мозг и музыка». Вы узнаете то, как меняется наш разум под воздействием классики.

Московская филармония имеет специальный абонемент «Мама, я меломан» — это серии ночных концертов с предварительной лекцией о каждом. Их записи есть в интернете, на сайте московской филармонии. Зарегистрируйтесь и станьте слушателем этих лекций. Там музыковеды замечательно рассказывают о произведениях.

Что не стоит делать?

— Не слушайте мифы и не думайте, что вы не поймёте, что у вас нет слуха, а классика — это скучно. Чтобы слушать музыку или учиться музыке, не нужен какой-то великолепный слух. Такой слух важен только музыкантам. Хотя даже далеко не все композиторы имели его, но при этом стали великими. Как-то у Фредерика Стендаля я прочитала курьезный факт. Стендаль, рассказывал о своем знакомом, экспедиторе военного бюро, который имел абсолютный слух: «Вот скрипнет половица, а он тут же говорит „фа-диез“. Абсолютный слух! Но при этом этот экспедитор ненавидел музыку».

По-настоящему важна отзывчивость на музыку, желание реагировать на нее. В XX веке был такой замечательный австрийский пианист Артур Шнабель, он говорил: «Самое главное — это любовь к музыке. Любовь всегда дает некоторое знание. Но я никогда не слышал, чтобы знание давало что-либо, подобное любви». Надо просто слушать с желанием и любовью. Это искусство, которое само до вас дойдет и достучится.

Источник

Как и на чём слушать классику: много букв о тренировке восприятия и жанровости аппаратуры

Зная о моих пристрастиях, знакомые нередко задают мне вопросы, о том, как и на чем правильно слушать классическую музыку (камерную, симфоническую, оперную и др.), акцентируя внимание на аппаратуре. Во многом этот пост станет ответом на них и, полагаю, будет полезен тем, кто только начинает интересоваться академической классикой.

При этом, вопреки устоявшейся практике, я начну не с аппаратуры, а с особенностей восприятия. Известно, что в отличие от прочих, понимание и “погружение” в академические жанры требует от слушателей освоения методов — особых навыков по восприятию музыкального произведения. Рассматривая проблему с этих позиций, вопрос аппаратуры становится вторичным, но его я также затрону под катом.

Те, кто сразу захочет перейти к технической части и оставить в стороне вопросы восприятия музыки, может просто пропустить три раздела.

Попытка классификации академических жанров по сложности восприятия

Для подавляющего большинства людей, с которыми я общался, существовало несколько градаций сложности в академических жанрах, легче всего воспринимались камерные произведения (короткие композиции для камерных составов — квинтетов, квартетов и т.п., произведения для сольного и парного исполнения). Это неудивительно в силу небольшого количества инструментов, и, нередко, сравнительно незамысловатой структуры.

Из этого правила бывают исключения, такие как произведения Рахманинова и сложные полифонические композиции Моцарта для двух роялей. В этих случаях, как ряде некоторых других, ограниченность камерных возможностей не делает произведение проще.

Более сложными для восприятия считаются оперные произведения. В силу того, что опера — это комбинированная форма музыкального и театрального искусства, где актеры “играют” роли преимущественно голосом, для понимания тонкостей произведения и оценки качества исполнения требуется большой опыт.

Ещё более тяжёлой для понимания не слишком опытными слушателями называют органную музыку. Оценка качества произведений, да и само пристрастие к фугам, токатам, пассакалиям и органным прелюдиям редко появляется в начале увлечения классикой. Живой интерес к органу скорее можно назвать признаком формирующегося вкуса. Неофиты в классике — большая редкость на органных концертах, там чаще опытные слушатели, что отчасти подтверждает сложность таких произведений для подавляющего большинства.

Наиболее тяжелыми произведениями принято считать симфоническую классику и многоголосные хоровые композиции. В отношении последних можно спорить, но если принять аксиому о том, что человеческий голос самый сложный из музыкальных инструментов, то логика такого подхода становится понятной.

Подобная классификация по сложности несовершенна и не учитывает ряд существенных исключений, но, по моему мнению, в общем и целом отражает действительность.Так камерное произведение по сложности сравнимо с какой-нибудь рок-балладой с той лишь разницей, что первое, как правило, несколько больше последней.

Для начала

Понимая, что проще для восприятия, а что сложнее, можно выбрать с чего именно начинать слушать классику. Кроме того, полезными правилами в начале приобщения к академической музыкальной традиции — являются принципы “слушать всё, что нравится”, “обязательно слушать хиты” и “слушать произведение полностью”. И если с первым (всё, что нравится) всё понятно, то со следующими двумя принципами, полагаю, нужны некоторые пояснения.

Относительно хитов важно понять, что, несмотря на их заезженность, якобы попсовость и повсеместную распространённость (реклама, заставки в СМИ, использование блогерами Youtube и кинематографистами), именно их проще всего понять неподготовленному слушателю. Гениальная простота сделала популярными Сонату №14, 5-ю и 9-ю симфонии Бетховена, 24-й каприс Паганини, токкату и фугу ре-минор Баха, “Полёт валькирий” Вагнера и “Времена года” Вивальди.

Не изучив эти, якобы набившие оскомину, произведения, не выслушав их до дыр, не сравнив пару десятков интерпретаций (от Фуртвенглера до Караяна), вряд ли имеет смысл двигаться дальше.

В качестве примера привожу две очень самобытных интерпретации пятой симфонии Бетховена, разница трактовок Караяна и Дядюры заметна сразу:

Безусловно, бывают личные музыкальные открытия среди неизвестных композиций, покрытых пылью музыкальной истории, которые трогают за душу неопытного слушателя, но это скорее исключение, чем правило.

Для меня внезапным открытием стал никому не известный финский постмодернист от академической классики Эркки Саламенхаара (много позже я узнал, что он был одним из научных руководителей и преподавателей культового футуриста и гика 60-х Эркки Курениеми):

По поводу “до конца” тоже, полагаю, стоит пояснить. Дело в том, что внушительное количество современной музыки построено на одной основной, доминирующей теме, которая, простите за штамп, “красной нитью” проходит через всю композицию, лишь незначительными изменениями и короткими перерывами на столь однообразную припевно-рефренную часть. В академических произведениях всё не так, основная мелодическая тема меняется несколько раз и в каждом таком отрезке можно найти множество интересных нюансов, поэтому оценить замысел автора можно только прослушав трек до конца.

Итак, если подвести итог, то идеальное произведение для старта в осмысленном прослушивании классики выглядит приблизительно следующим образом: камерный концерт для какого-нибудь струнно-духового квартета, известный и желательно не очень длинный, чтобы можно было легко дослушать и быстро понять авторский замысел.

В дальнейшем, наслушавшись камерных шедевров, можно переходить к более тяжеловесным жанрам. При этом знатоки классики нередко рекомендуют также начинать с максимально простых хитов. Для детей идеальным произведением для приобщения к академической музыкальной традиции общепризнанно считается симфоническая сказка “Петя и Волк” Сергея Прокофьева, где каждый инструмент соответствует определённому персонажу, а созданная композитором музыкальное полотно позволяет без труда прочитать сюжет.

Также многие советуют начинающим слушателям классики “молодёжные концерты” Леонарда Бернштайна, которые транслировались по CBS и сегодня доступны на YouTube.

Тренировки для восприятия

Помимо выбора произведений, которые подойдут для начинающих, бывает полезно объяснить, как именно их слушать. Так для большинства людей характерно т.н. “фокусное” восприятие музыки, когда слушатель концентрируется на партии одного инструмента или группы инструментов, синхронно играющих тему, остальные же партии остаются совсем на периферии и служат своеобразным фоном, который не воспринимается должным образом.

Известно, что сознание неподготовленного слушателя обычно может длительно удерживать в относительном фокусе три, максимум 4 инструмента, остальные остаются на периферии восприятия. Если слушать какой-нибудь melodic death или построк, то таких способностей вполне достаточно, но их становится мало уже для порядочного академического струнного квинтета, не говоря уже о полноценном симфоническом оркестре.

У людей с развитым восприятием, чаще у опытных меломанов и музыкантов, получается концентрироваться в группах из восьми-десяти инструментов, одновременно звучащих в разных частотных диапазонах, при этом остальной монолит симфонического произведения не выходит из фокуса восприятия. Благодаря такой способности можно услышать симфонию как единое целое.

Симфонические композиторы и гениальные дирижеры обладают ещё более интересной особенностью, они способны концентрировать внимание на всём произведении сразу и в любой момент исполнения слышат каждый нюанс и каждую особенность каждого из звучащих в оркестре инструментов. Такая способность музыкального восприятия является либо следствием редкой врождённой одарённости, либо плодом усиленных многолетних тренировок.

Такие тренировки могут помочь и слушателям, для которых важно услышать произведение так, как его слышал композитор. Я развивал способность цельного восприятия музыкального произведения при помощи следующего упражнения:

Я концентрировался на одном инструменте, а затем поочередно добавлял к нему ещё несколько, стараясь удерживать их в фокусе восприятия максимально долгое время.

Уже через месяц ежедневных двухчасовых занятий я мог удерживать в фокусе солирующую скрипку, валторну, бассетгорн и пару виолончелей. Через год я слышал внушительную часть инструментов симфонического оркестра и порой мог даже заметить косяк какого-нибудь музыканта с неаккуратно взятой диссонансной нотой.

Есть также тренировка восприятия построенная по прямо противоположному принципу. Для неё необходимо разложить существующий музыкальный массив на инструментальные составляющие в процессе прослушивания и концентрироваться на партиях отдельных инструментов. При этом важно сосредоточить внимание на этом инструменте от начала до конца произведения.

Из личного опыта могу порекомендовать не перегружаться классикой и в промежутках между “интеграционными” упражнениями слушать другие жанры, мне сильно помогали нарочито брутальные и примитивистские электронные мотивы слайд-проекта участников 25/17, коллектива ЛЁД-9. В этом смысле они оказались хороши ещё и благодаря переходу от восприятия классических абстракций к жесткой социальной текстовой конкретике.

Мне также доводилось читать о развивающих упражнениях для музыкантов и дирижеров (т.е для тех, кто “читает с листа”). В таких упражнениях на развитие музыкальной памяти и целостного восприятия рекомендовали изучать партитуру параллельно с прослушиванием записи, после чего, не включая музыку и просто глядя на лист, воссоздавать в сознании партии отдельных инструментов, представляя каждую ноту, а затем воспроизводить в сознании партии 2-х, 3-х, 4-х и т.д. инструментов.

Аппаратура

Сразу скажу, что я не являюсь горячим ревнителем концепции жанровой аппаратуры. По моим представлениям, верность воспроизведения является понятием универсальным и о жанровости можно говорить только в тех случаях, когда речь идёт о достаточно тонких нюансах.

С технической точки зрения любая звуковоспроизводящая система (не берем в расчет “лютый” технократичный High End) — это своего рода компромисс, который позволяет добиться одних преимуществ, пожертвовав другими. И пресловутую “жанровость”, по моему мнению, можно рассматривать исключительно как компромиссную проработку технических особенностей, связанных с воспроизведением определенных жанров, но не как техническую концепцию полностью “заточенную” под, например, хоровые произведения.

Общие принципы
От некоторых аудиофилов нередко приходится слышать рассказы о том, что вот лампа, она мол для джаза и классики, хотя уровень гармоник и интермодуляционных искажений даже в современной ламповой технике выше и, соответственно, “замыленность” звучания гарантирована. Несколько более аргументированные суждения бывают о жанровости акустических систем, когда говорят о том, что для симфонической классики лучше подойдут редкие широкополосные АС в закрытом ящике. Таким образом стараются избавиться от фильтров, которые крутят фазу, а также носят дополнительные искажения, связанные с фазоинвертором.

Идеальными для классической музыки станут наиболее “честные” в отношении воспроизведения компоненты. Для крайне опытных и тренированных ушей может быть важен даже источник (который в остальных случаях практически не влияет на слышимые параметры), т.е. хоровая и симфоническая классика — это тот случай, где “hi-res таки имеет значение”. Про провода я тактично промолчу, любители шнурковщины могут изложить свое мнение о том, какие и как прогретые “вешалки” лучше справляются с классикой в комментах.

Усиление
Усиление не будет иметь определяющего значения для качества результата, но факт в том, что усилитель должен быть хорошим. Подавляющее большинство знатоков УМЗЧ рекомендуют системы, работающие в классах A, AB и B. Я лично воздержусь от рекомендации конкретного класса ввиду дискуссионности вопроса. Скажу лишь, что главное — это искажения (чем ниже гармоники и IMD, тем лучше), имеет значение также скорость отклика операционного усилителя. Из бескомпромиссных решений часто рекомендуют изолированное усиление стереоканалов, т.н. dual mono. Совершенно естественно, что минусом подобных решений является стоимость.

АС
Самое сложное — выбор АС. Тут можно выложить много денег и не получить желаемого результата. Если в наше время вам удастся найти что-то в закрытом ящике по карману и без фазоинвертора, а также с приемлемыми АЧХ, ФЧХ и искажениями, то с высокой вероятностью эта система даст вам необходимый уровень верности воспроизведения. Намеренно искать аудиофильские широкополосные варианты занятие сложное, неблагодарное и вряд ли приведет к желаемому результату — ибо при отсутствии проблем с фильтрами они возникнут с частотными искажениями и гармониками.

Безупречным вариантом для классики, полагаю, будут электростатические АС. Если у вас есть возможность приобрести их и вы планируете всерьез слушать классику — не стоит сильно тянуть. Но, как правило, возникает проблема стоимости. К слову, электростаты, чаще выпускают в комбинированной форме, что позволяет усилить низкие при помощи динамической фазоинверторной секции. Более дешевой альтернативой электрстатам являются изодинамические варианты (т.н. планары, от planar magnetic), но для подавляющего большинства они также дороги.

Для тех, кто не готов отдавать миллионы за бескомпромиссные решения, но хочет “честного” звука, имеет смысл обратить внимание на мониторную акустику. Среди моих личных фаворитов JBL LSR308, Dynaudio LYD-5, Focal Shape 40 и активный Adam Audio T7V. Хочу отметить, что эти устройства создавались для профессионального использования, т.е не дадут никаких плюшек в виде мультирум интеграции, особенного удобства управления и коммутации, но при этом обладают универсальными параметрами и вполне подойдут для вдумчивого прослушивания симфонического оркестра или большого смешанного хора.

Важным аспектом является создание реалистичной стереопанорамы, т.е. расположение кажущихся источников звука (КИЗ), что у аудиофилов именуется термином “сцена”. Будучи завсегдатаем живых концертов вы без труда сможете определить, где должен находиться тот или иной инструмент в “сцене”. Если вы не так часто посещаете ближайшую филармонию, то вам поможет приведенная ниже схема.

Диаграмма направленности, панорамные особенности (ширина, глубина, четкость и точность локализации КИЗ), а также интермодуляционные искажения — это те параметры, которые сложно выявить аппаратными методами и придется оценивать субъективно. Для интермодуляционных искажений хорошо подходит женский или детский дискант хор — замыленность слышна “невооруженным” ухом. Прочие субъективные особенности стоит проверять в качественно сделанном шоуруме, где акустика помещения снижает влияние первых отражений и паразитных комнатных резонансов.

Пользоваться или не пользоваться рекомендациями по тренировке восприятия и выбору аппаратуры — личное дело каждого. Важно другое, что классику следует слушать, так как анализ и изучение академической музыки дает базис для понимания всей остальной, а в случае с музыкантами и композиторами — толчок к созданию чего-то нового.

Джинса
В нашем каталоге представлено множество акустических систем, усилителей и другой аудиоаппаратуры высокой верности воспроизведения.

Традиционно предлагаю поучаствовать в опросе, приведенном ниже.

Источник